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Muere el escritor de vinos del New York Times, Frank Prial, a los 82 años

Muere el escritor de vinos del New York Times, Frank Prial, a los 82 años

Frank Prial fue el verdadero negocio. Si el término "crítico de vinos" te hace imaginarte a un tipo de profesor decadente arremolinándose en un borgoña invaluable en una copa de cristal con un meñique extendido y un comportamiento arrogante, bueno ... seguro que no estás imaginando a Frank Prial. Era fornido y un poco brusco; Siempre pensé que se parecía más a un jefe sindical de Nueva Jersey, o tal vez a un sacerdote de algún lugar del norte del estado (de hecho, nació en Newark), que a un periodista que hablaba francés con fluidez y conocía el vino tan bien como cualquiera en la ciudad. La primera vez que lo conocí, al venir a su oficina en The New York Times como un joven escritor de comida y vino de la costa oeste, dijo: "Vamos a tomar una copa", y no me llevó al último bar de vinos de moda de pruebe el champán de un solo cultivador o un cabernet de culto de California, pero al bar de Sardi's, el legendario restaurante del distrito de los teatros a la vuelta de la esquina del antiguo edificio del Times, donde rápidamente pidió un Manhattan.

Prial no puso vino en un pedestal. Era una parte agradable de la vida, y creía, con razón, que convertirlo en un objeto de adoración o en alguna sustancia misteriosa que solo unos pocos elegidos podían apreciar no solo perjudicaba al vino sino a la humanidad. También creía, de nuevo con bastante razón, que había poca o ninguna correlación entre el precio de un vino y cuánto podría disfrutarlo.

Después de graduarse de la Universidad de Georgetown y servir en la Guardia Costera, Prial tomó trabajos en periódicos en Nueva Jersey y luego en Manhattan, terminando en el Wall Street Journal y, en 1970, en The Times. Al principio era un reportero de interés general, pero entre sus intereses específicos estaban la comida y el vino, y el periódico le permitió escribir algunos artículos sobre este último a modo de prueba. Fueron bien recibidos, y en 1972, cuando los estadounidenses apenas comenzaban a descubrir el vino de verdad, comenzó a escribir una columna regular sobre el tema.

Al Times le gusta reasignar periódicamente a sus escritores a nuevos ritmos, y en 1979, Prial dejó de escribir "Wine Talk" para convertirse en el corresponsal del periódico en París, donde, por supuesto, el vino siguió siendo un tema importante para él. Al regresar a los Estados Unidos en 1984, retomó la columna y continuó supervisándola durante otros 20 años (después de lo cual pasó a ser competencia de Eric Asimov, que había formado parte de los paneles de degustación de Prial durante mucho tiempo).

Prial no era uno de esos "toques de melaza, remolacha, caramelo, tabaco turco y anís". Lo que más le gustaba era contar las historias de los hombres y mujeres detrás del vino y discutir la historia de ciertas regiones o variedades de uva y ponerlas en un contexto cultural. Cuando describió los vinos, lo hizo en un lenguaje sencillo: un chardonnay de California "olía a carne condimentada"; un amontillado tenía "una dulzura melosa que [me] gustaba"; el extraño shiraz Woop Woop del sureste de Australia era "un shiraz clásico con un hermoso equilibrio y una gran estructura". Eso, en lo que respecta a Prial, era básicamente lo que necesitabas saber.

En su libro de referencia satírico The Devil's Dictionary, publicado hace aproximadamente un siglo, Ambrose Bierce define el término "conocedor" en parte así: "Un viejo bebedor de vino que había sido aplastado en una colisión ferroviaria, un poco de vino fue vertido en sus labios para revivirlo. 'Pauillac, 1873', murmuró y murió ". No sé cuáles fueron las últimas palabras del viejo bebedor de vino Frank Prial, cuando murió el martes por la noche por complicaciones del cáncer de próstata, pero espero que fueran algo así como "Sólo un Manhattan más, por favor".


Ratas acorraladas y traiciones personales

Abraham Polonsky vivía en Francia en 1950, escribiendo una novela, cuando recibió una llamada de un amigo que se alojaba en su casa de Los Ángeles. Un investigador del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes había estado allí, tratando de entregarle una citación.

Desde las primeras audiencias del HUAC en octubre de 1947, a través de las cuales un grupo de escritores y directores conocidos como los 10 de Hollywood fueron encontrados en desacato al Congreso y finalmente enviados a prisión, la industria del cine había estado presa de la histeria anticomunista. Polonsky sabía que había llegado su hora.

Polonsky, comunista desde hace mucho tiempo, había surgido a fines de la década de 1940 como uno de los jóvenes escritores y directores más talentosos de Hollywood. En 1947, escribió "Body and Soul", el aclamado drama de boxeo de John Garfield. Al año siguiente, dirigió a Garfield en "Force of Evil", un thriller sobre el alboroto de números que el crítico Andrew Sarris llamaría más tarde "una de las grandes películas del cine estadounidense moderno".

Polonsky no había ocultado sus afiliaciones comunistas. Había sido amigo de muchos de los 10 de Hollywood y consideraba que la fiesta era "el mejor club al que pertenecer en Hollywood, porque todos los chicos inteligentes estaban en él".

Sabía que si se negaba a cooperar con el Congreso, lo incluirían en una lista negra y tal vez lo enviarían a la cárcel. Pero también se consideraba un patriota. En la Segunda Guerra Mundial, había trabajado en el extranjero en la Oficina de Servicios Estratégicos como enlace con la clandestinidad francesa.

La citación forzó su mano. “Mi esposa pensó que debería quedarme en Europa”, recuerda Polonsky, quien a sus 86 años tiene un ingenio cáustico e ideales socialmente conscientes. “Pero fui romántico al respecto. Dije: 'Está mal, nadie me va a echar de mi país'. Así que volví ".

Polonsky estalla en una carcajada ronca. "Era tan romántico que me traje un Jaguar".

El 25 de abril de 1951, se presentó ante el HUAC y se negó a responder a sus consultas, aceptando la Quinta Enmienda. Polonsky solo ofreció una respuesta una vez, cuando se le preguntó por los nombres de los hombres con los que había trabajado en la OSS. Polonsky respondió: "No es asunto tuyo".

Antes de que lo presionaran por una respuesta, un hombre vestido con un traje oscuro se apresuró a subir al estrado y susurró al oído del presidente de la HUAC, John Wood.

“Les dijo que se detuvieran de inmediato”, dice Polonsky. "El tipo del traje era un agente de inteligencia, e incluso él sabía que no debería responder a esa pregunta. Todos esos tipos con los que había estado en la OSS ahora estaban en la CIA ".

El 12 de abril de 1951, dos semanas antes de que Polonsky compareciera ante el Congreso, dos amigos, el actor Sterling Hayden y el escritor Richard Collins, lo nombraron comunista. Collins, un conocido guionista y miembro del partido desde hace mucho tiempo, dio los nombres de 26 presuntos comunistas, incluido su amigo y socio de escritura, Paul Jarrico. Los dos hombres habían estado bajo contrato en MGM, donde habían escrito películas como "Thousands Cheer", un musical de base del ejército repleto de estrellas, y "Song of Russia", un tributo al esfuerzo de guerra ruso que fue atacado por HUAC como propaganda comunista.

“Todos los estudios hicieron películas como esa”, dice Jarrico, ahora de 82 años. “Escribíamos bajo las órdenes de la Oficina de Propaganda en Tiempo de Guerra. Louis B. Mayer nunca dejó entrar en sus películas nada que pensara que era propaganda rusa. Incluso tuvimos que eliminar la palabra 'comunidad', porque sintió que sonaba demasiado a 'comunismo' ".

Jarrico dice que le pidió a Collins que no le diera nombres a HUAC, pero fue en vano: “Resulta que había estado hablando con el FBI mucho antes de comparecer ante el comité. Una vez que testificó, fue el final de nuestra amistad. Fue una traición muy personal. No solo cooperaba con el comité, estaba ansioso por cooperar ".

Muchas de las personas que cooperaron con HUAC, incluidos Collins, Hayden, Lee J. Cobb y Abe Burrows, tenían algo más en común: su abogado, Martin Gang. Fundador del influyente bufete de abogados de entretenimiento Gang, Tire, Ramer and Brown, se especializó en representar a personas que dieron nombres, así como a liberales francos, como Burt Lancaster y John Houseman, que buscaban evitar ser llamados a testificar.

En lugar de desafiar al comité, Gang aconsejó a sus clientes que fueran sinceros, a menudo publicitando sus esfuerzos de cooperación para que pudieran ser eliminados de las listas negras y regresar al trabajo. (Ahora con 96 años, Gang no estaba disponible para entrevistas).

Cuando David Raksin, un destacado compositor de películas que había sido miembro del partido a fines de la década de 1930, fue citado por HUAC, acudió a Gang en busca de consejo.

"Él dijo: 'Si no hablas, esos bastardos te meterán en la cárcel'", dice Raksin, ahora de 85 años. "Gang me dijo:" No escondas nada de lo que saben todo sobre ti ".

“Fue una experiencia aterradora testificar ante el comité. Era un día caluroso y estábamos en esta gran sala llena de luces y cámaras. No había podido dormir por la noche, me sentía como una rata acorralada ".

Con Gang a su lado, Raksin dio los nombres de una docena de presuntos comunistas. Dice que eran personas que estaban muertas o que ya habían sido nombradas por otros.

“No fue una capitulación abyecta. Le dije al comité que debían dejar en paz al Partido Comunista, no intentar aplastarlo. Pero ahí estaba yo, un chico con una familia que mantener y una carrera bastante decente que estaba a punto de irse por el desagüe. Lo que hice fue un gran pecado, pero creo que lo hice tan bien como la mayoría de los seres humanos lo hubieran hecho bajo tortura ".

Aunque Raksin cooperó con el comité, descubrió que muchos estudios no lo contrataban. Las ofertas de trabajo se agotaron repentinamente. Fue incluso peor para quienes se negaron a dar nombres. En 20th Century Fox, Darryl Zanuck había permitido que Polonsky escribiera en casa, fuera de la vista del público. Después de su negativa a testificar, Zanuck lo despidió. Jarrico perdió su trabajo en RKO tan pronto como fue citado.

“Un día mi nombre apareció en los periódicos”, recuerda. "Al día siguiente, cuando me presenté a trabajar, me detuvieron en las puertas del estudio".

El día después de que el escritor de comedia de televisión Frank Tarloff compareciera ante HUAC, fue despedido de su trabajo y abandonado por la Agencia William Morris.

"Había evadido que me citaran durante años porque sabía que tan pronto como me encontraban, todo había terminado", dice Tarloff, ahora de 82 años.

“Vivíamos como fugitivos. Nos mudamos a una nueva casa sin dar nuestra dirección. Cuando llegábamos a casa después de una noche de fiesta, salía del coche a unas manzanas de distancia y esperaba hasta que mi esposa llegaba y abría la puerta. Luego salía y corría a la casa ".

Después de ser citado, Tarloff se presentó ante el HUAC y se negó a testificar. Estuvo en la lista negra durante casi 15 años, aunque encontró trabajo escribiendo en secreto episodios de “The Dick Van Dyke Show” y “The Andy Griffith Show”, usando amigos como fachada.

La vida de todos se vio interrumpida. Tarloff tenía amigos que dejaron de visitar porque temían que los agentes del FBI estuvieran en los arbustos. Raksin estaba hablando con una hermosa mujer en una fiesta en Malibú cuando el anfitrión la llevó a un lado y le dijo que había sido un informante. "Cuando regresó, estaba congelada", dice. "Ella no quiso hablarme".

Uno de los amigos de la infancia de Polonsky fue el compositor Bernard Herrmann, que había crecido con él en el Lower East Side de Nueva York. "Me consiguió un trabajo con Orson Welles, me educó en la música moderna", recuerda Polonsky.

“Pero después de que me pusieron en la lista negra, alguien que conocí lo conoció trabajando en una película y dijo: 'Oh, Abe me dice que ustedes dos son viejos amigos'. Y Bennie lo miró y dijo: 'No sé a qué te refieres con nunca lo he conocido.

“Fue lo más triste. Le preocupaba que el solo hecho de conocerme pudiera meterlo en problemas ".

El fallecido escritor y productor Adrian Scott fue uno de los 10 de Hollywood que fueron a prisión por desacato al Congreso. Después de salir, comenzó a salir con una mujer que había conocido en un mitin político progresista. En 1955, cuando se casaron, Joan Scott asumió un nuevo papel: se convirtió en su fachada.

“Fue así como aprendí a ser escritora”, dice Joan Scott, ahora de 76 años. “Adrian nunca podía ir a un estudio, así que me llevaba al estacionamiento, me dejaba y me recogía después. "

Scott había comparecido ante el HUAC en 1952, donde se negó a dar nombres de supuestos comunistas. Pero pudo encontrar trabajo en la televisión, haciendo de frente a su esposo, usando el seudónimo de Joanne Court.

La especialidad de Adrian Scott era el drama duro que había producido thrillers como "Murder My Sweet" antes de ser incluido en la lista negra. Al frente de los guiones de su marido para programas como "77 Sunset Strip" y "Surfside Six", Joanne Court se hizo conocida como la chica que escribía como un tipo duro.

“Fui todo un éxito”, recuerda Joan Scott. “Era el día de las faldas amplias y abullonadas y me veía muy joven, así que todos querían conocerme. Me convertí en la chica que escribía como un hombre ".

Scott asistía a conferencias de cuentos, realizaba un seguimiento de las revisiones y luego le daba a su esposo sus notas para que pudiera reescribir el guión.

“A veces daba miedo”, dice. "Un día se olvidó de contarme sobre un cambio crucial que había hecho y tuve que hacer todo este doble lenguaje hasta que los productores se quedaron tan desconcertados que se dieron por vencidos y lo dejaron pasar".

Inevitablemente, los jefes de Scott preguntarían por su familia. Cuando estaba escribiendo un programa de televisión para Walt Disney, un productor le preguntó a qué se dedicaba su esposo.

“Inventé esta historia de que Adrian era un solucionador de problemas para una tienda de electrodomésticos. Cuando fui a casa esa noche y se lo dije, estaba furioso. Era un trabajo de clase tan baja que pensó que al menos debería ser profesor o abogado. Entonces, después de eso, le diría a la gente que era un profesor jubilado, pero muy solitario, por lo que no parecería extraño que nunca lo conocieran ".

Scott usó un seudónimo hasta 1972, cuando escribió un episodio de "The Waltons" con su propio nombre. Recientemente recibió un crédito restaurado por "El Cairo", una película de 1963 que escribió usando su alias. Pero cuando su esposo pudo trabajar con su propio nombre, ya estaba destrozado.

“Adrian nunca volvió a ser una persona completa”, dice Scott. “Había tenido demasiada desesperación y decepción. Incluso cuando llegó a escribir, nunca recibió crédito por nada de eso. Murió de cáncer, pero en mi opinión, fue la lista negra lo que realmente lo mató ".


Muere el físico Frank Oppenheimer a los 72 años

Frank Oppenheimer, un físico que se vio obligado a dedicarse a la ganadería durante la era McCarthy y que, al igual que su difunto hermano, llegó a ser un apasionado defensor del desarme nuclear, ha muerto.

Oppenheimer, quien más recientemente había experimentado una atención más agradable a través de su trabajo con uno de los museos de ciencia más innovadores del país, murió el domingo después de una lucha de dos meses contra el cáncer de pulmón. Tenía 72 años.

Frank Oppenheimer, quien obtuvo un doctorado en 1939 en Caltech, fue parte del Proyecto Manhattan en Los Alamos, Nuevo México, donde se desarrolló la primera bomba atómica del mundo. El proyecto fue dirigido por su hermano, J. Robert Oppenheimer, fallecido en 1967.

Se fue a Nuevo México después de establecer una reputación nacional por su trabajo en el ciclotrón bajo Ernest D. Lawrence en la Universidad de California, Berkeley, por quien fueron nombrados los Laboratorios Lawrence.

Allí, Oppenheimer ayudó a adaptar el ciclotrón para un experimento que demostró que los isótopos de uranio podían separarse electromagnéticamente, un desarrollo que hizo posible una bomba nuclear.

Como su hermano, Oppenheimer llegó a oponerse a las armas nucleares después de que Estados Unidos arrojara bombas atómicas sobre Hiroshima y Nagasaki.

Su hijo, Michael, en una entrevista telefónica con Associated Press, citó a su padre diciendo: "Tiene que haber una mejor manera de resolver los problemas internacionales".

Después de la Segunda Guerra Mundial, Oppenheimer fue a la Universidad de Minnesota para investigar los rayos cósmicos.

En 1947 negó una acusación del Washington Times-Herald de que había sido miembro del Partido Comunista, pero dos años más tarde se retractó en testimonio ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara.

Sin embargo, negó que tuviera conocimiento de alguna filtración de secretos nucleares a los agentes de espionaje soviéticos y dijo que había abandonado el partido antes de ir a trabajar en el Proyecto Manhattan.

La confesión obligó a dimitir en Minnesota y él, su esposa y sus dos hijos se mudaron a Colorado, donde se convirtieron en ganaderos.

A lo largo de los años, Oppenheimer afirmó que el gobierno continuó hostigándolo, cuestionando a sus vecinos sobre sus actividades. A los vecinos evidentemente no les importó, porque lo nombraron jefe de su compañía telefónica de 13 suscriptores y presidente del distrito local de conservación de suelos. Pronto estaba enseñando ciencias en una pequeña escuela secundaria en Pagosa Springs.

Con el paso del tiempo, Oppenheimer reanudó la docencia universitaria, aceptando un puesto en el departamento de física de la Universidad de Colorado, donde dirigió la investigación sobre partículas de alta energía. Fue allí donde se interesó por primera vez en la enseñanza "práctica", animando a sus estudiantes a construir modelos y desarrollar experimentos que ilustraran las teorías que estaba exponiendo.

Ese interés, en 1968, llevó a la apertura del Exploratorium en San Francisco, considerado el primero de los museos donde se animaba a los visitantes a experimentar y jugar con las exhibiciones.

Los estudiantes de arte fueron allí para estudiar la luz, el sonido y el movimiento, los niños pudieron jugar con juguetes científicos exóticos, y principios tan esotéricos como la frecuencia de resonancia y la refracción de la luz se hicieron comprensibles con martillos y antorchas de acetileno.

El museo, ahora visitado por 500.000 personas cada año, se convirtió en el prototipo de instituciones similares en todo el mundo.

Oppenheimer, flautista, ensayista y piloto con licencia, dijo que "los museos deben ser entornos divertidos, honestos, accesibles y sofisticados en los que las personas puedan explorar su cultura".

Su trabajo allí apareció en un segmento de 1982 de "Nova", una serie de Public Television System. Se tituló "Palacio de las Delicias".

Oppenheimer, que nació en la ciudad de Nueva York, fue autor de más de 60 artículos técnicos y de otro tipo. Ganó premios por ciencia y enseñanza distinguidas de Caltech, la Universidad de Colorado, American Assn. de Enseñanza de la Física y la Asociación Estadounidense. de Museos.


Contenido

—La hija de Sinatra, Nancy, sobre la importancia de su madre Dolly en su vida y carácter. [5]

Francis Albert Sinatra [a] nació el 12 de diciembre de 1915, en una vivienda de arriba en 415 Monroe Street en Hoboken, Nueva Jersey, [7] [8] [b] hijo único de los inmigrantes italianos Natalina "Dolly" Garaventa y Antonino Martino "Marty" Sinatra. [11] [12] [c] Sinatra pesó 13,5 libras (6,1 kg) al nacer y tuvo que nacer con la ayuda de fórceps, lo que le provocó graves cicatrices en la mejilla izquierda, el cuello y la oreja, y le perforó el tímpano: daño que quedó de por vida. [14] Debido a sus heridas al nacer, su bautismo en la iglesia St. Francis en Hoboken se retrasó hasta el 2 de abril de 1916.[15] Una operación infantil en su hueso mastoideo le dejó grandes cicatrices en el cuello, y durante la adolescencia sufrió de acné quístico que le marcó aún más la cara y el cuello. [16] Sinatra se crió en la iglesia católica romana. [17]

La madre de Sinatra era enérgica y motivada, [18] y los biógrafos creen que ella fue el factor dominante en el desarrollo de los rasgos de personalidad y la confianza en sí mismo de su hijo. [19] La cuarta esposa de Sinatra, Barbara, afirmaría más tarde que Dolly abusó de él cuando era niña y que "lo golpeaba mucho". [20] Dolly se hizo influyente en Hoboken y en los círculos locales del Partido Demócrata. [21] Trabajó como partera, ganando $ 50 por cada parto, [22] y según la biógrafa de Sinatra Kitty Kelley, también dirigía un servicio de aborto ilegal que atendía a niñas católicas italianas, por lo que fue apodada "Hatpin Dolly". [23] [d] También tenía un don para los idiomas y se desempeñó como intérprete local. [26]

El padre analfabeto de Sinatra era un boxeador de peso gallo que luchó bajo el nombre de Marty O'Brien. [27] Más tarde trabajó durante 24 años en el Departamento de Bomberos de Hoboken, llegando a ser capitán. [28] Sinatra pasaba mucho tiempo en la taberna de sus padres en Hoboken, [e] trabajando en sus deberes y ocasionalmente cantando una canción en la parte superior del piano para cambio. [30] Durante la Gran Depresión, Dolly le dio dinero a su hijo para salidas con amigos y para comprar ropa cara, lo que provocó que los vecinos lo describieran como el "niño mejor vestido del vecindario". [31] Excesivamente delgado y pequeño como un niño y un joven, el cuerpo delgado de Sinatra se convirtió más tarde en un elemento básico de bromas durante los espectáculos teatrales. [32] [33]

Sinatra desarrolló un interés en la música, particularmente en el jazz de big band, a una edad temprana. [34] Escuchó a Gene Austin, Rudy Vallée, Russ Colombo y Bob Eberly, e idolatraba a Bing Crosby. [35] El tío materno de Sinatra, Domenico, le regaló un ukelele por su cumpleaños número 15 y comenzó a actuar en reuniones familiares. [36] Sinatra asistió a David E. Rue Jr. High School desde 1928, [37] y A. J. Demarest High School (desde entonces renombrada como Hoboken High School) en 1931, donde organizó bandas para bailes escolares. [36] Se fue sin graduarse, después de haber asistido solo 47 días antes de ser expulsado por "alboroto general". [38] Para complacer a su madre, se matriculó en Drake Business School, pero se marchó después de 11 meses. [36] Dolly encontró a Sinatra trabajando como repartidor en el Observador de Jersey periódico, donde trabajaba su padrino Frank Garrick, [f] y después de eso, Sinatra fue remachadora en el astillero Tietjen y Lang. [40] Actuó en clubes sociales locales de Hoboken como The Cat's Meow y The Comedy Club, y cantó gratis en estaciones de radio como WAAT en Jersey City. [41] En Nueva York, Sinatra encontró trabajo cantando para cenar o para fumar cigarrillos. [36] Para mejorar su discurso, comenzó a tomar lecciones de elocución por un dólar cada una con el entrenador vocal John Quinlan, quien fue una de las primeras personas en notar su impresionante rango vocal. [42]

Hoboken Four, Harry James y Tommy Dorsey (1935-1939) Editar

Sinatra comenzó a cantar profesionalmente cuando era adolescente, pero aprendió música de oído y nunca aprendió a leer música. [43] [44] Tuvo su primera oportunidad en 1935 cuando su madre persuadió a un grupo de canto local, los 3 Flashes, para que lo dejara unirse. Fred Tamburro, el barítono del grupo, dijo que "Frank nos rodeaba como si fuéramos dioses o algo así", admitiendo que solo lo tomaron a bordo porque era dueño de un automóvil [g] y podía conducir al grupo. Sinatra pronto se enteró de que estaban haciendo una audición para el Hora amateur de Major Bowes show, y "rogó" al grupo que lo dejara participar. [46] Con Sinatra, el grupo se hizo conocido como los Cuatro Hoboken, y pasó una audición de Edward Bowes para aparecer en el Hora amateur de Major Bowes show. Cada uno ganó $ 12.50 por la aparición, [47] y terminó atrayendo 40.000 votos y ganó el primer premio, un contrato de seis meses para actuar en el escenario y la radio en todo Estados Unidos. [48] ​​Sinatra se convirtió rápidamente en el cantante principal del grupo y, para los celos de sus compañeros, atrajo la mayor parte de la atención de las chicas. [49] [h] Debido al éxito del grupo, Bowes siguió pidiéndoles que regresaran, disfrazados con diferentes nombres, que iban desde "The Secaucus Cockamamies" hasta "The Bayonne Bacalas". [32]

En 1938, Sinatra encontró empleo como camarero cantante en una taberna llamada "The Rustic Cabin" en Englewood Cliffs, Nueva Jersey, por la que le pagaban $ 15 a la semana. [51] The roadhouse estaba conectado a la estación de radio WNEW en la ciudad de Nueva York, y comenzó a actuar con un grupo en vivo durante el Desfile de baile show. [52] A pesar del bajo salario, Sinatra sintió que este era el descanso que estaba buscando y se jactó ante sus amigos de que iba a "volverse tan grande que nadie podría tocarlo". [53] En marzo de 1939, el saxofonista Frank Mane, que conocía a Sinatra de la estación de radio WAAT de Jersey City, donde ambos actuaron en transmisiones en vivo, hizo los arreglos para que él hiciera una audición y grabara "Our Love", su primera grabación de estudio en solitario. [54] [i] En junio, el líder de la banda Harry James, que había escuchado a Sinatra cantar en "Dance Parade", firmó un contrato de dos años de $ 75 a la semana una noche después de un espectáculo en el Paramount Theatre de Nueva York. [55] [j] Fue con la banda de James que Sinatra lanzó su primer disco comercial "From the Bottom of My Heart" en julio. No se vendieron más de 8.000 copias del disco, [59] y otros discos publicados con James hasta 1939, como "All or Nothing At All", también tuvieron ventas débiles en su lanzamiento inicial. [60] Gracias a su entrenamiento vocal, Sinatra ahora podía cantar dos tonos más alto y desarrolló un repertorio que incluía canciones como "My Buddy", "Willow Weep for Me", "It's Funny to Everyone but Me", "Here Comes la noche "," En una callecita de Singapur "," Ciribiribin "y" Todos los días de mi vida ". [61]

Sinatra se sintió cada vez más frustrado con el estado de la banda de Harry James, sintiendo que no estaba logrando el mayor éxito y elogios que estaba buscando. Su pianista y amigo cercano Hank Sanicola lo convenció de que se quedara con el grupo, [62] pero en noviembre de 1939 dejó a James para reemplazar a Jack Leonard [k] como cantante principal de la banda de Tommy Dorsey. Sinatra ganaba $ 125 a la semana, apareciendo en Palmer House en Chicago, [63] y James liberó a Sinatra de su contrato. [64] [l] El 26 de enero de 1940, hizo su primera aparición pública con la banda en el Coronado Theatre en Rockford, Illinois, [66] abriendo el espectáculo con "Stardust". [67] Dorsey recordó: "Casi se podía sentir la emoción que surgía de la multitud cuando el niño se levantaba para cantar. Recuerde, él no era un ídolo matinée. Era solo un niño flaco con orejas grandes. Yo solía estar parado allí tan sorprendido que casi me olvido de tomar mis propios solos ". [68] Dorsey fue una gran influencia en Sinatra y se convirtió en una figura paterna. Sinatra copió los gestos y rasgos de Dorsey, convirtiéndose en un perfeccionista exigente como él, adoptando incluso su afición por los trenes de juguete. Le pidió a Dorsey que fuera el padrino de su hija Nancy en junio de 1940. [69] Sinatra dijo más tarde que "Las únicas dos personas a las que he tenido miedo son mi madre y Tommy Dorsey". [70] Aunque Kelley afirma que Sinatra y el baterista Buddy Rich eran rivales acérrimos, [m] otros autores afirman que eran amigos e incluso compañeros de cuarto cuando la banda estaba de gira, pero surgieron celos profesionales ya que ambos hombres querían ser considerados la estrella. de la banda de Dorsey. Más tarde, Sinatra ayudó a Rich a formar su propia banda con un préstamo de $ 25,000 y proporcionó ayuda financiera a Rich durante los tiempos de la grave enfermedad del baterista. [72]

En su primer año con Dorsey, Sinatra grabó más de cuarenta canciones. El primer éxito vocal de Sinatra fue la canción "Polka Dots and Moonbeams" a finales de abril de 1940. [73] Dos apariciones más en las listas siguieron con "Say It" e "Imagination", que fue el primer top 10 de Sinatra. [73] Su cuarta aparición en las listas fue "I'll Never Smile Again", encabezando las listas durante doce semanas a partir de mediados de julio. [74] Otros discos con Tommy Dorsey publicados por RCA Victor incluyen "Our Love Affair" y "Stardust" en 1940 "Oh! Look at Me Now", "Dolores", "Everything Happens to Me" y "This Love of Mine "en 1941" Como si estuvieras allí "," Llévame ", y" Hay tales cosas "en 1942 y" Todo empezó de nuevo "," En el azul de la tarde "y" Siempre eres tú "en 1943. [75] A medida que su éxito y popularidad crecían, Sinatra presionó a Dorsey para que le permitiera grabar algunas canciones en solitario. Dorsey finalmente cedió, y el 19 de enero de 1942, Sinatra grabó "Night and Day", "The Night We Called It a Day", "The Song is You" y "Lamplighter's Serenade" en una sesión de grabación de Bluebird, con Axel Stordahl. como arreglista y director. [76] Sinatra escuchó por primera vez las grabaciones en Hollywood Palladium y Hollywood Plaza y se asombró de lo bien que sonaba. Stordahl recordó: "No podía creer lo que oía. Estaba tan emocionado que casi creías que nunca había grabado antes. Creo que este fue un punto de inflexión en su carrera. Creo que comenzó a ver lo que podría hacer en su propio". [77]

Después de las grabaciones de 1942, Sinatra creyó que necesitaba ir en solitario, [78] con un deseo insaciable de competir con Bing Crosby, [n] pero se vio obstaculizado por su contrato que le dio a Dorsey el 43% de las ganancias de por vida de Sinatra en la industria del entretenimiento. [79] Siguió una batalla legal, que finalmente se resolvió en agosto de 1942. [80] [o] El 3 de septiembre de 1942, Dorsey se despidió de Sinatra, supuestamente diciendo cuando Sinatra se fue, "Espero que te caigas de culo", [79 ] pero fue más amable en el aire cuando reemplazó a Sinatra con el cantante Dick Haymes. [64] Los rumores comenzaron a difundirse en los periódicos de que el padrino mafioso de Sinatra, Willie Moretti, obligó a Dorsey a dejar que Sinatra terminara su contrato por unos pocos miles de dólares, apuntándole con una pistola en la cabeza. [82] [p] Sinatra convenció a Stordahl de que dejara a Dorsey con él y se convirtiera en su arreglista personal, ofreciéndole 650 dólares al mes, cinco veces el salario de Dorsey. [84] Dorsey y Sinatra, que habían sido muy cercanos, nunca reconciliaron sus diferencias. Hasta su muerte en noviembre de 1956, Dorsey ocasionalmente hacía comentarios mordaces sobre Sinatra a la prensa como "es el hombre más fascinante del mundo, pero no pongas la mano en la jaula". [85]

Inicio de Sinatramania y papel en la Segunda Guerra Mundial (1942-1945) Editar

Perfectamente simple: eran los años de la guerra y había una gran soledad, y yo era el chico en cada farmacia de la esquina, el chico que se había ido reclutado para la guerra. Eso es todo.

En mayo de 1941, Sinatra encabezó las encuestas de cantantes masculinos en Cartelera y DownBeat revistas. [87] Su atractivo para los bobby soxers, como se llamaba a las adolescentes de esa época, reveló una audiencia completamente nueva para la música popular, que había sido grabada principalmente para adultos hasta ese momento. [88] El fenómeno se conoció oficialmente como "Sinatramania" después de su "legendaria inauguración" en el Paramount Theatre de Nueva York el 30 de diciembre de 1942. [79] Según Nancy Sinatra, Jack Benny dijo más tarde: "Pensé que el maldito edificio iba a derrumbarse. Nunca escuché semejante conmoción. Todo esto por un tipo del que nunca había oído hablar ". [89] Sinatra actuó durante cuatro semanas en el teatro, su acto siguió a la orquesta de Benny Goodman, después de lo cual su contrato fue renovado por otras cuatro semanas por Bob Weitman debido a su popularidad. Se hizo conocido como "Swoonatra" o "La Voz", y sus fans "Sinatratics". Organizaron reuniones y enviaron masas de cartas de adoración, y unas pocas semanas después del espectáculo, se informó de unos 1000 clubes de fans de Sinatra en los EE. UU. [90] El publicista de Sinatra, George Evans, alentó entrevistas y fotografías con los fanáticos, y fue el hombre responsable de representar a Sinatra como un vulnerable, tímido, italoamericano con una infancia dura que se portó bien. [91] Cuando Sinatra regresó al Paramount en octubre de 1944, solo 250 personas abandonaron el primer espectáculo, y 35.000 fanáticos que se quedaron afuera causaron un alboroto cercano, conocido como el Día de la Raza, fuera del lugar porque no se les permitió entrar. [92] [93] [94] Tal era la devoción de los bobby-soxer a Sinatra que se sabía que escribían los títulos de las canciones de Sinatra en sus ropas, sobornaban a las mucamas del hotel para tener la oportunidad de tocar su cama y se acercaban a él en forma de robar ropa que él llevaba, más comúnmente su pajarita. [95]

Sinatra firmó con Columbia Records como solista el 1 de junio de 1943 durante la huelga de músicos de 1942-1944. [96] Columbia Records relanzó la versión de Harry James y Sinatra de agosto de 1939 de "All or Nothing at All", [65] que alcanzó el número 2 el 2 de junio y estuvo en la lista de los más vendidos durante 18 semanas. [97] Inicialmente tuvo un gran éxito, [98] y actuó en la radio en Tu Hit Parade desde febrero de 1943 hasta diciembre de 1944, [99] y en el escenario. Columbia quería nuevas grabaciones de su estrella en crecimiento lo más rápido posible, por lo que Alec Wilder fue contratado como arreglista y director para varias sesiones con un grupo vocal llamado Bobby Tucker Singers. [100] Estas primeras sesiones fueron el 7 de junio, 22 de junio, 5 de agosto y 10 de noviembre de 1943. De las nueve canciones grabadas durante estas sesiones, siete figuraron en la lista de los más vendidos. [101] Ese año también hizo su primera aparición en solitario en un club nocturno en Riobamba de Nueva York, [102] y un exitoso concierto en el Wedgewood Room del prestigioso Waldorf-Astoria de Nueva York ese año aseguró su popularidad en la alta sociedad neoyorquina. [103] Sinatra lanzó "Nunca sabrás", "Cerca de ti", "Domingo, lunes o siempre" y "La gente dirá que estamos enamorados" como sencillos. A finales de 1943 era más popular en un DownBeat encuesta que Bing Crosby, Perry Como, Bob Eberly y Dick Haymes. [104]

Sinatra no sirvió en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial. El 11 de diciembre de 1943, fue clasificado oficialmente 4-F ("Registrante no aceptable para el servicio militar") por su junta de reclutamiento debido a un tímpano perforado. Sin embargo, los archivos del Ejército de los Estados Unidos informaron que Sinatra "no era un material aceptable desde un punto de vista psiquiátrico", pero su inestabilidad emocional se ocultó para evitar "molestias indebidas tanto para el seleccionado como para el servicio de inducción". [105] Brevemente, hubo rumores reportados por el columnista Walter Winchell de que Sinatra pagó $ 40,000 para evitar el servicio, pero el FBI encontró que esto no tenía mérito. [106] [107] [108] Hacia el final de la guerra, Sinatra entretuvo a las tropas durante varias giras exitosas de USO en el extranjero con el comediante Phil Silvers. [109] Durante un viaje a Roma conoció al Papa, quien le preguntó si era un tenor de ópera. [110] Sinatra trabajó con frecuencia con las populares Andrews Sisters en la radio en la década de 1940, [111] y muchos programas de USO se transmitieron a las tropas a través del Servicio de Radio de las Fuerzas Armadas (AFRS). [112] En 1944, Sinatra lanzó "No pude dormir un guiño anoche" como sencillo y grabó su propia versión de "White Christmas" de Crosby, y al año siguiente lanzó "I Dream of You (More Than You Dream I Do) "," Saturday Night (es la noche más solitaria de la semana) "," Dream "y" Nancy (with the Laughing Face) "como solteros. [113]

Años de Columbia y depresión profesional (1946-1952) Editar

A pesar de estar muy involucrado en la actividad política en 1945 y 1946, en esos dos años Sinatra cantó en 160 programas de radio, grabó 36 veces y rodó cuatro películas. En 1946, actuaba en el escenario hasta 45 veces por semana, cantaba hasta 100 canciones al día y ganaba hasta 93.000 dólares a la semana. [114]

En 1946, Sinatra lanzó "¡Oh! Lo que parecía ser", "Día a día", "Ellos dicen que es maravilloso", "Cinco minutos más" y "La canción del café" como sencillos, [115] y lanzó su primer álbum. , La voz de Frank Sinatra, [116] que alcanzó el número 1 en la lista de Billboard. William Ruhlmann de AllMusic escribió que Sinatra "se tomó el material muy en serio, cantando las letras de amor con total seriedad", y que su "canto y la configuración de influencia clásica dieron a las canciones una profundidad de significado inusual". [117] Pronto vendió diez millones de discos al año. [118] Tal fue el mando de Sinatra en Columbia que su amor por la dirección fue complacido con el lanzamiento del set. Frank Sinatra dirige la música de Alec Wilder, una oferta poco probable que atraiga a la base de fans principal de Sinatra en ese momento, que consistía en chicas adolescentes. [119] Al año siguiente lanzó su segundo álbum, Canciones de Sinatra, con canciones de un tono y tempo similar como "How Deep is the Ocean?" de Irving Berlin y "All The Things You Are" de Harold Arlen y Jerome Kern. [120] "Mam'selle", compuesta por Edmund Goulding con letra de Mack Gordon para la película Filo de la navaja (1946), [121] fue lanzado como single. [115] Sinatra tuvo versiones de competencia de Art Lund, Dick Haymes, Dennis Day y The Pied Pipers también alcanzó el top ten de la Cartelera gráficos. [122] En diciembre grabó "Sweet Lorraine" con Metronome All-Stars, con talentosos músicos de jazz como Coleman Hawkins, Harry Carney y Charlie Shavers, con Nat King Cole al piano, en lo que Charles L. Granata describe como "uno de los aspectos más destacados de la época colombiana de Sinatra ". [123]

El tercer álbum de Sinatra, Canciones de Navidad de Sinatra, fue lanzado originalmente en 1948 como un álbum de 78 rpm, [124] y un disco LP de 10 "fue lanzado dos años después. [125] Cuando Sinatra apareció como sacerdote en El milagro de las campanas, debido a la negatividad de la prensa en torno a sus supuestas conexiones con la mafia en ese momento, [q] se anunció al público que Sinatra donaría sus $ 100,000 en salario de la película a la Iglesia Católica. [126] A fines de 1948, Sinatra había caído al cuarto lugar en DownBeat Encuesta anual de los cantantes más populares (detrás de Billy Eckstine, Frankie Laine y Bing Crosby). [128] y al año siguiente fue expulsado de los primeros lugares en las encuestas por primera vez desde 1943. [129] Francamente sentimental (1949) fue criticado por DownBeat, quien comentó que "a pesar de todo su talento, rara vez cobra vida". [130]

Aunque "The Hucklebuck" alcanzó el top ten, [131] fue su último single bajo el sello Columbia. [115] Los dos últimos álbumes de Sinatra con Columbia, Dedicado a ti y Canta y baila con Frank Sinatra, fueron lanzados en 1950. [132] Sinatra luego presentaría varios de los Canta y baila con Frank Sinatra canciones del álbum, incluidas "Lover", "It's Only a Paper Moon", "It All Depends on You", en su lanzamiento en el Capitolio de 1961, Sesión de swing de Sinatra. . [133]

Cimentar el punto más bajo de su carrera fue la muerte del publicista George Evans de un ataque al corazón en enero de 1950 a los 48 años. Según Jimmy Van Heusen, amigo íntimo y compositor de Sinatra, la muerte de Evans para él fue "un enorme impacto que desafía las palabras", como había sido crucial para su carrera y su popularidad entre los bobbysoxers. [134] La reputación de Sinatra siguió decayendo cuando en febrero estallaron informes sobre su romance con Ava Gardner y la destrucción de su matrimonio con Nancy, [135] aunque insistió en que su matrimonio había terminado mucho antes de conocer a Gardner. [136] En abril, Sinatra fue contratado para actuar en el club Copa en Nueva York, pero tuvo que cancelar cinco días de la reserva debido a sufrir una hemorragia submucosa de la garganta. [137] Evans dijo una vez que cada vez que Sinatra sufría de problemas de garganta y pérdida de la voz, siempre se debía a una tensión emocional que "lo destruía por completo". [138]

En dificultades financieras luego de su divorcio y el declive de su carrera, Sinatra se vio obligado a pedir prestados $ 200,000 a Columbia para pagar sus impuestos atrasados ​​después de que MCA se negó a adelantar el dinero. [139] Rechazado por Hollywood, se dirigió a Las Vegas e hizo su debut en el Desert Inn en septiembre de 1951, [140] y también comenzó a cantar en el Riverside Hotel en Reno, Nevada. Sinatra se convirtió en uno de los artistas residentes pioneros de Las Vegas, [141] y una figura prominente en la escena de Las Vegas durante los años 50 y 60 en adelante, un período descrito por Rojek como la "marca de agua alta" del "hedonismo y ensimismamiento" de Sinatra. Rojek señala que el Rat Pack "proporcionó una salida para las bromas y las bromas sociables", pero argumenta que era el vehículo de Sinatra, que poseía un "dominio inexpugnable sobre los otros artistas". [142] Sinatra volaría a Las Vegas desde Los Ángeles en el avión monomotor de Van Heusen. [143] El 4 de octubre de 1953, Sinatra hizo su primera actuación en el Sands Hotel and Casino, después de una invitación del gerente Jack Entratter, [144] que había trabajado anteriormente en la Copa de Nueva York. [145] Sinatra normalmente actuaba allí tres veces al año y luego adquirió una participación en el hotel. [146] [r]

El declive de la popularidad de Sinatra fue evidente en sus apariciones en conciertos. En una breve presentación en el Paramount de Nueva York atrajo a un público reducido. [150] En el Desert Inn de Las Vegas actuó ante casas a medio llenar de cazadores monteses y ganaderos. [151] En un concierto en Chez Paree en Chicago, solo 150 personas en un lugar con capacidad para 1.200 asientos se presentaron para verlo. [152] En abril de 1952 se presentó en la Feria del Condado de Kauai en Hawai. [153] La relación de Sinatra con Columbia Records también se estaba desintegrando, y el ejecutivo de A & ampR, Mitch Miller, afirmó que "no podía regalar" los discos del cantante. [150] [s] Aunque se hicieron varias grabaciones notables durante este período de tiempo, como "Si pudiera escribir un libro" en enero de 1952, que Granata ve como un "punto de inflexión", pronosticando su trabajo posterior con su sensibilidad, [ 156] Columbia y MCA lo dejaron más tarde ese año. [158] Su última grabación de estudio para Columbia, "Why Try To Change Me Now", fue grabada en Nueva York el 17 de septiembre de 1952, con orquesta arreglada y dirigida por Percy Faith. [159] El periodista Burt Boyar observó: "Sinatra lo había tenido. Fue triste. De arriba abajo en una lección horrible". [150]

El renacimiento de la carrera y los años del Capitolio (1953–1962) Editar

El estreno de la película De aquí a la eternidad en agosto de 1953 marcó el comienzo de un notable renacimiento profesional. [160] Tom Santopietro señala que Sinatra comenzó a sumergirse en su trabajo, con una "inigualable y frenética agenda de grabaciones, películas y conciertos", [161] en lo que los autores Anthony Summers y Robbyn Swan describen como "una nueva y brillante etapa". . [162] El 13 de marzo de 1953, Sinatra se reunió con el vicepresidente de Capitol Records, Alan Livingston, y firmó un contrato de grabación por siete años. [163] Su primera sesión para Capitol tuvo lugar en los estudios KHJ en Studio C, 5515 Melrose Avenue en Los Ángeles, con Axel Stordahl como director. [164] La sesión produjo cuatro grabaciones, incluyendo "I'm Walking Behind You", [165] el primer single de Capitol de Sinatra. [166] Después de pasar dos semanas en locaciones en Hawái filmando De aquí a la eternidad, Sinatra regresó a KHJ el 30 de abril para su primera sesión de grabación con Nelson Riddle, un arreglista y director establecido en Capitol que era el director musical de Nat King Cole. [167] Después de grabar la primera canción, "Tengo el mundo en una cuerda", Sinatra le ofreció a Riddle una rara expresión de elogio, "¡Hermoso!", [168] y después de escuchar las reproducciones, no pudo ocultar su entusiasmo, exclamando: "¡He vuelto, cariño, he vuelto!" [169]

En sesiones posteriores en mayo y noviembre de 1953, [170] Sinatra y Riddle desarrollaron y refinaron su colaboración musical, con Sinatra proporcionando una guía específica sobre los arreglos. [169] El primer álbum de Sinatra para Capitol, Canciones para jóvenes amantes, fue lanzado el 4 de enero de 1954 e incluyó "Un día brumoso", "Te diviertes", "Mi divertido San Valentín", "Violetas para tus pieles" y "No pueden quitarme eso ", [171] canciones que se convirtieron en elementos básicos de sus conciertos posteriores. [32] [172] Ese mismo mes, Sinatra lanzó el sencillo "Young at Heart", que alcanzó el número 2 y fue galardonado como Canción del año. [173] [174] [175] [t] En marzo, grabó y lanzó el sencillo "Three Coins in the Fountain", una "balada poderosa" [178] que alcanzó el puesto 4. [179] El segundo álbum de Sinatra con Enigma, Swing Easy!, que reflejaba su "amor por el idioma del jazz" según Granata, [180] fue lanzado el 2 de agosto de ese año e incluía "Just One of those Things", "Taking a Chance on Love", "Get Happy" y "Todo de mí". [179] [181] Swing Easy! fue nombrado Álbum del Año por Cartelera, y también fue nombrado "Vocalista Masculino Favorito" por Cartelera, DownBeat, y Metrónomo ese año. [182] [183] ​​Sinatra llegó a considerar a Riddle "el mejor arreglista del mundo", [184] y Riddle, que consideraba a Sinatra "un perfeccionista", [169] ofreció el mismo elogio al cantante, observando: "No es solo que sus intuiciones en cuanto a tempi, fraseo e incluso configuración son asombrosamente acertadas, pero su gusto es tan impecable. Todavía no hay nadie que se le acerque ". [184]

En 1955 Sinatra lanzó En las pequeñas horas, su primer LP de 12 ", [185] con canciones como" In the Wee Small Hours of the Morning "," Mood Indigo "," Glad to Be Unhappy "y" When Your Lover Has Gone ". [186] Según Granata fue el primer álbum conceptual suyo en hacer una "declaración única y persuasiva", con un programa extendido y "estado de ánimo melancólico". [180] Sinatra se embarcó en su primera gira por Australia el mismo año. [187] Otra colaboración con Riddle resultó en el desarrollo de Canciones para los amantes del swing., visto a veces como uno de sus mejores álbumes, que fue lanzado en marzo de 1956. [188] Cuenta con una grabación de "Te tengo bajo mi piel" de Cole Porter, [189] algo a lo que Sinatra prestó meticuloso cuidado, Tomando 22 tomas reportadas para perfeccionar. [190]

Sus sesiones de grabación de febrero de 1956 inauguraron los estudios en el Capitol Records Building, [191] completo con una orquesta sinfónica de 56 piezas. [192] Según Granata, sus grabaciones de "Night and Day", "Oh! Look At Me Now" y "From This Moment On" revelaron "poderosos matices sexuales, increíblemente logrados a través de la creciente tensión y la liberación de la mejor voz burlona de Sinatra. lines ", mientras que su grabación de" River, Stay 'Way from My Door "en abril demostró su" brillantez como improvisador sincopacional ". [193] Riddle dijo que Sinatra se "deleitaba especialmente" cantando "La dama es un vagabundo", comentando que "siempre cantaba esa canción con una cierta cantidad de lujuria", haciendo "trucos de referencia" con la letra. [194] Su inclinación por la dirección se mostró de nuevo en 1956. Frank Sinatra dirige poemas tonales de color, un álbum instrumental que se ha interpretado como una catarsis de su fallida relación con Gardner. [195] También ese año, Sinatra cantó en la Convención Nacional Demócrata y actuó con The Dorsey Brothers durante una semana poco después en el Paramount Theatre. [196]

En 1957, Sinatra lanzó Cerca de usted, ¡Un asunto de swing! y ¿Dónde estás?—Su primer álbum en estéreo, con Gordon Jenkins. [197] Granata considera que "Close to You" ha sido temáticamente su álbum conceptual más cercano a la perfección durante la era "dorada", y el mejor trabajo de Nelson Riddle, que era "extremadamente progresivo" para los estándares de la época. Está estructurado como una obra de teatro en tres actos, cada uno de los cuales comienza con las canciones "With Every Breath I Take", "Blame It On My Youth" y "It Could Happen to You". [198] Para Granata, Sinatra's ¡Un asunto de swing! y predecesor de la música swing Canciones para los amantes del swing. solidificó "la imagen de Sinatra como 'swinger', tanto desde un punto de vista musical como visual". Buddy Collette consideró que los álbumes de swing habían sido fuertemente influenciados por Sammy Davis Jr., y afirmó que cuando trabajó con Sinatra a mediados de la década de 1960, abordó una canción de manera muy diferente a como lo había hecho a principios de la década de 1950. [190] El 9 de junio de 1957, actuó en un concierto de 62 minutos dirigido por Riddle en el Auditorio Cívico de Seattle, [199] su primera aparición en Seattle desde 1945. [172] La grabación se lanzó por primera vez como un pirata, pero en 1999 Artanis Entertainment Group lo lanzó oficialmente como el Sinatra '57 en concierto álbum en vivo, después de la muerte de Sinatra. [200] En 1958, Sinatra lanzó el álbum conceptual. Ven y vuela conmigo con Billy May, diseñado como una gira mundial musical. [201] Alcanzó el primer lugar en la lista de álbumes de Billboard en su segunda semana, permaneciendo en la cima durante cinco semanas, [202] y fue nominado para el Premio Grammy al Álbum del Año en los premios Grammy inaugurales. [203] La canción principal, "Come Fly With Me", escrita especialmente para él, se convertiría en uno de sus estándares más conocidos. [204] El 29 de mayo grabó siete canciones en una sola sesión, más del doble del rendimiento habitual de una sesión de grabación, y se planeó una octava, "Lush Life", pero Sinatra la encontró técnicamente demasiado exigente. [205] En septiembre, Sinatra lanzó Frank Sinatra canta solo para los solitarios, una colección cruda de canciones introspectivas [u] saloon y baladas con tintes de blues que demostraron ser un gran éxito comercial, pasando 120 semanas en la lista de álbumes de Billboards y alcanzando su punto máximo en el No. 1. [207] Cortes de este LP, como "Angel Eyes "y" One for My Baby (y One More for the Road) ", seguirían siendo elementos básicos de los segmentos de" canciones de salón "de los conciertos de Sinatra. [208]

En 1959, Sinatra lanzó ¡Ven a bailar conmigo!, un álbum muy exitoso y aclamado por la crítica que permaneció en la lista de álbumes pop de Billboard durante 140 semanas, alcanzando el puesto número 2. Ganó el premio Grammy al Álbum del año, así como Mejor Interpretación Vocal, Masculino y Mejor Arreglo para Billy May. . [209] También liberó A nadie le importa en el mismo año, una colección de canciones de antorchas "melancólicas y solitarias", que el crítico Stephen Thomas Erlewine pensó que era "casi tan bueno como su predecesor ¿Dónde estás?, pero carecía de los arreglos "exuberantes" de la misma y la "grandiosa melancolía" de Solo los solitarios. [210]

En palabras de Kelley, en 1959, Sinatra "no era simplemente el líder de la manada de ratas", sino que "había asumido la posición de il padrone en Hollywood ". 20th Century Fox le pidió que fuera el maestro de ceremonias en un almuerzo al que asistió el primer ministro soviético Nikita Khrushchev el 19 de septiembre de 1959. [211] Agradable y fácil, una colección de baladas, encabezó la Cartelera gráfico en octubre de 1960 y permaneció en los gráficos durante 86 semanas, [212] ganando aplausos de la crítica. [213] [214] Granata notó la calidad de "sonido ambiental realista" de Bonito y fácil, la perfección en el balance estéreo y el sonido "audaz, brillante y ágil" de la banda. Destacó la sensación "cercana, cálida y aguda" de la voz de Sinatra, particularmente en las canciones "September in the Rain", "I Concentrate on You" y "My Blue Heaven". [215]

Años de repetición (1961-1981) Editar

Sinatra se sintió descontento en Capitol y cayó en una disputa con Alan Livingston, que duró más de seis meses. [215] Su primer intento de poseer su propio sello fue con su búsqueda de comprar un sello de jazz en declive, Verve Records, que terminó una vez que un acuerdo inicial con el fundador de Verve, Norman Granz, "no se materializó". [216] Decidió formar su propio sello, Reprise Records [217] y, en un esfuerzo por afirmar su nueva dirección, se separó temporalmente de Riddle, May y Jenkins, trabajando con otros arreglistas como Neil Hefti, Don Costa y Quincy. Jones. [218] Sinatra construyó el atractivo de Reprise Records como uno en el que a los artistas se les prometió el control creativo sobre su música, así como una garantía de que eventualmente obtendrían "la propiedad completa de su trabajo, incluidos los derechos de publicación". [219] Bajo Sinatra, la compañía se convirtió en una "potencia" de la industria de la música, y más tarde la vendió por unos 80 millones de dólares. [220] Su primer álbum en el sello, Ring-a-Ding-Ding! (1961), fue un gran éxito, alcanzando el número 4 en Cartelera. [221] El álbum fue lanzado en febrero de 1961, el mismo mes en que Reprise Records lanzó Ben Webster's Los estados de ánimo cálidos, De Sammy Davis Jr. El golpe de Sam, Mavis River's Tordo músico y de Joe E. Lewis Ahora es hora de publicar. [222] Durante los años iniciales de Reprise, Sinatra todavía estaba bajo contrato para grabar para Capitol, completando su compromiso contractual con el lanzamiento de Punto sin retorno, registrado durante un período de dos días el 11 y 12 de septiembre de 1961. [223]

En 1962, Sinatra lanzó Sinatra y cuerdas, un conjunto de baladas estándar arregladas por Don Costa, que se convirtió en una de las obras más aclamadas por la crítica de todo el período Reprise de Sinatra. Frank Jr., quien estuvo presente durante la grabación, señaló la "gran orquesta", que Nancy Sinatra dijo que "abrió una era completamente nueva" en la música pop, con orquestas cada vez más grandes, adoptando un "sonido de cuerdas exuberante". [224] Sinatra y Count Basie colaboraron para el álbum. Sinatra-Basie el mismo año, [225] un lanzamiento popular y exitoso que los llevó a reunirse dos años más tarde para el seguimiento También podría ser swing, organizado por Quincy Jones. [226] Los dos se convirtieron en artistas frecuentes juntos, [227] y aparecieron en el Festival de Jazz de Newport en 1965. [187] También en 1962, como propietario de su propio sello discográfico, Sinatra pudo subir al podio como director nuevamente. , lanzando su tercer álbum instrumental Frank Sinatra dirige música a partir de imágenes y obras. [191]

En 1963, Sinatra se reunió con Nelson Riddle para El Concierto Sinatra, un ambicioso álbum con una orquesta sinfónica de 73 músicos arreglada y dirigida por Riddle. El concierto se grabó en un escenario de sonido de bandas sonoras de películas con el uso de múltiples máquinas de grabación sincronizadas que empleaban una señal óptica en una película de 35 mm diseñada para bandas sonoras de películas. Granata considera que el álbum ha sido "impeatable" [sic], "uno de los mejores álbumes de baladas de Sinatra-Riddle", en el que Sinatra mostró un rango vocal impresionante, particularmente en "Ol 'Man River", en el que oscureció el tono. [228]

En 1964, la canción "My Kind of Town" fue nominada al Oscar a la Mejor Canción Original. [229] Sinatra liberado Suavemente, mientras te dejo, [230] y colaboró ​​con Bing Crosby y Fred Waring en América, te escucho cantar, una colección de canciones patrióticas grabadas como homenaje al presidente asesinado John F. Kennedy. [231] [232] Sinatra se involucró cada vez más en actividades caritativas en este período. En 1961 y 1962 viajó a México, con el único propósito de realizar presentaciones para organizaciones benéficas mexicanas, [v] y en julio de 1964 estuvo presente en la inauguración del Centro Juvenil Internacional Frank Sinatra para niños árabes y judíos en Nazaret. [234]

El fenomenal éxito de Sinatra en 1965, coincidiendo con su 50 cumpleaños, provocó Cartelera para proclamar que pudo haber alcanzado la "cima de su eminencia". [235] En junio de 1965, Sinatra, Sammy Davis Jr. y Dean Martin tocaron en vivo en St. Louis en beneficio de Dismas House, un centro de capacitación y rehabilitación de prisioneros con programas a nivel nacional que en particular ayudaron a servir a los afroamericanos. El concierto de Rat Pack, llamado The Frank Sinatra Spectacular, fue transmitido en vivo vía satélite a numerosos cines en todo Estados Unidos. [236] [237] El álbum Septiembre de mis años fue lanzado en septiembre de 1965 y ganó el premio Grammy al mejor álbum del año. [238] Granata considera que el álbum fue uno de los mejores de sus años de Reprise, "un retroceso reflexivo a los discos conceptuales de la década de 1950, y más que cualquiera de esas colecciones, destila todo lo que Frank Sinatra había aprendido o experimentado como un vocalista ". [239] Uno de los sencillos del álbum, "Fue un año muy bueno", ganó el premio Grammy a la mejor interpretación vocal masculina. [240] Una antología de carreras, Un hombre y su música, seguido en noviembre, ganando Álbum del año en los Grammy al año siguiente. [241]

En 1966 Sinatra lanzó Así es la vida, con el sencillo de "That's Life" y el álbum convirtiéndose en los diez primeros éxitos en los EE. UU. Cartelera listas de éxitos de pop. [242] Extraños en la noche pasó a la cima de la Cartelera y listas de singles pop del Reino Unido, [243] [244] ganando el premio al Disco del Año en los Grammys. [245] El primer álbum en vivo de Sinatra, Sinatra en las arenas, fue grabado durante enero y febrero de 1966 en el Sands Hotel and Casino en Las Vegas. Sinatra fue respaldada por la Count Basie Orchestra, con la dirección de Quincy Jones. [246] Sinatra se retiró de Sands al año siguiente, cuando fue expulsado por su nuevo propietario Howard Hughes, después de una pelea. [247] [w]

Sinatra inició 1967 con una serie de sesiones de grabación con Antônio Carlos Jobim. Grabó una de sus colaboraciones con Jobim, el disco nominado al Grammy Francis Albert Sinatra y Antônio Carlos Jobim, que fue uno de los álbumes más vendidos del año, detrás de los Beatles Sargento. Banda del club de corazones solitarios de Pepper. [252] Según Santopietro, el álbum "consiste en una mezcla extraordinariamente efectiva de bossa nova y voces de jazz ligeramente oscilantes, y logra crear un ambiente ininterrumpido de romance y arrepentimiento". [253] El escritor Stan Cornyn escribió que Sinatra cantaba tan suavemente en el álbum que era comparable a la época en que sufrió una hemorragia vocal en 1950. [254]

Sinatra también lanzó el álbum. El mundo que conocíamos, que presenta un dúo que encabeza las listas de éxitos de "Somethin 'Stupid" con su hija Nancy. [243] [255] En diciembre, Sinatra colaboró ​​con Duke Ellington en el álbum. Francis A. y Edward K.. [256] Según Granata, la grabación de "Indian Summer" en el álbum fue una de las favoritas de Riddle, destacando el "estado de ánimo contemplativo [que] se intensifica con un solo de saxo alto de Johnny Hodges que te hará llorar". [257] Pensando en Sinatra, el cantautor Paul Anka escribió la canción "My Way", utilizando la melodía del francés "Comme d'habitude" ("As Usual"), compuesta por Claude François y Jacques Revaux. [258] Sinatra la grabó justo después de la Navidad de 1968. [259] "My Way", la canción más conocida de Sinatra en el sello Reprise, no fue un éxito instantáneo, ubicándose en el puesto 27 en los Estados Unidos y el 5 en el Reino Unido, [ 260] pero permaneció en las listas del Reino Unido durante 122 semanas, incluidas 75 semanas no consecutivas en el Top 40, entre abril de 1969 y septiembre de 1971, que todavía era un récord en 2015. [261] [262] Sinatra le dijo al compositor Ervin Drake en la década de 1970 que "detestaba" cantar la canción, porque creía que el público pensaría que era un "tributo que se engrandecía a sí mismo", profesando que "odiaba la jactancia en los demás". [263]

En un esfuerzo por mantener su viabilidad comercial a fines de la década de 1960, Sinatra grabaría obras de Paul Simon ("Mrs. Robinson"), los Beatles ("Yesterday") y Joni Mitchell ("Both Sides, Now") en 1969. [264]

"Retiro" y regreso (1970-1981) Editar

En 1970, Sinatra lanzó Watertown, un álbum conceptual aclamado por la crítica, con música de Bob Gaudio (de Four Seasons) y letra de Jake Holmes. [265] Sin embargo, vendió apenas 30.000 copias ese año y alcanzó una posición máxima en la lista de 101. [266] Dejó el Caesars Palace en septiembre de ese año después de un incidente en el que el ejecutivo Sanford Waterman le apuntó con un arma. [x] Realizó varios conciertos benéficos con Count Basie en el Royal Festival Hall de Londres. [270] El 2 de noviembre de 1970, Sinatra grabó las últimas canciones para Reprise Records antes de su retiro autoimpuesto, [271] anunció el siguiente junio en un concierto en Hollywood para recaudar fondos para el Motion Picture and TV Relief Fund. [272] Dio una interpretación "entusiasta" de "That's Life" y terminó el concierto con una canción de Matt Dennis y Earl Brent, "Angel Eyes", que había grabado en el álbum Only The Lonely en 1958. [273] cantó la última línea. "Disculpe mientras desaparezco". El reflector se apagó y abandonó el escenario. [274] Dijo VIDA el periodista Thomas Thompson que "tengo cosas que hacer, como si lo primero fuera no hacer cualquier cosa en absoluto durante ocho meses. tal vez un año ", [275] mientras que Barbara Sinatra afirmó más tarde que Sinatra se había" cansado de entretener a la gente, especialmente cuando lo único que realmente querían eran las mismas viejas melodías de las que él se había aburrido hace mucho tiempo ". [276] Mientras estaba en jubilado, el presidente Richard Nixon le pidió que actuara en un Rally de Jóvenes Votantes en previsión de la próxima campaña. Sinatra aceptó y eligió cantar "My Kind of Town" para el mitin celebrado en Chicago el 20 de octubre de 1972. [277]

En 1973, Sinatra salió de su breve retiro con un especial de televisión y un álbum. El álbum, titulado Ol 'Blue Eyes está de vuelta, [266] organizado por Gordon Jenkins y Don Costa, [278] fue un éxito, alcanzando el número 13 en Cartelera y el número 12 en el Reino Unido. [279] [280] El especial de televisión, Magnavox presenta a Frank Sinatra, reunió a Sinatra con Gene Kelly. Inicialmente desarrolló problemas con sus cuerdas vocales durante el regreso debido a un período prolongado sin cantar. [281] Esa Navidad actuó en el Hotel Sahara en Las Vegas, [282] y regresó al Caesars Palace el mes siguiente en enero de 1974, a pesar de haber prometido actuar allí nuevamente [sic]. [283] Comenzó lo que Barbara Sinatra describe como una "gira de regreso masiva por los Estados Unidos, Europa, el Lejano Oriente y Australia". [284] En julio, mientras estaba en una segunda gira por Australia, [285] causó un gran revuelo al describir a los periodistas allí, que estaban persiguiendo agresivamente todos sus movimientos y presionando para una conferencia de prensa, como "vagabundos, parásitos, maricones y gilipollas". "Putas y medio". [286] Después de que lo presionaron para que se disculpara, Sinatra en cambio insistió en que los periodistas se disculparan por "quince años de abuso que he recibido de la prensa mundial". Las acciones sindicales cancelaron conciertos y aterrizaron el avión de Sinatra, esencialmente atrapándolo en Australia. [287] Al final, el abogado de Sinatra, Mickey Rudin, arregló que Sinatra emitiera una nota conciliatoria escrita y un concierto final que fue televisado a la nación. [288] En octubre de 1974 apareció en el Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York en un concierto televisado que luego fue lanzado como un álbum con el título El evento principal - en vivo. Apoyándolo estaba el líder de la banda Woody Herman y Young Thundering Herd, quienes acompañaron a Sinatra en una gira europea a finales de ese mes. [289] [290]

En 1975, Sinatra actuó en conciertos en Nueva York con Count Basie y Ella Fitzgerald, y en el London Palladium con Basie y Sarah Vaughan, y en Teherán en el Aryamehr Stadium, dando 140 funciones en 105 días. [291] En agosto celebró varios conciertos consecutivos en Lake Tahoe junto con el cantante John Denver, [292] [293] que se convirtió en un colaborador frecuente. [294] Sinatra había grabado "Leaving on a Jet Plane" de Denver y "My Sweet Lady" para Sinatra & amp Company (1971), [295] [296] y según Denver, su canción "A Baby Just Like You" fue escrita a petición de Sinatra para su nueva nieta, Angela. [297] Durante el fin de semana del Día del Trabajo celebrado en 1976, Sinatra fue responsable de reunir a viejos amigos y compañeros de comedia Dean Martin y Jerry Lewis por primera vez en casi veinte años, cuando actuaron en el "Jerry Lewis MDA Telethon". [298] [299] Ese año, el Friars Club lo seleccionó como el "Mejor Nombre de Taquilla del Siglo", y los Amigos Americanos de la Universidad Hebrea de Jerusalén en Israel le otorgaron el Premio Scopus y un Doctor honorario en Cartas humanas de la Universidad de Nevada. [291]

Sinatra continuó actuando en el Caesars Palace a fines de la década de 1970, y actuaba allí en enero de 1977 cuando su madre Dolly murió en un accidente de avión en el camino a verlo. [300] [y] [302] Canceló dos semanas de espectáculos y pasó un tiempo recuperándose de la conmoción en Barbados. [303] En marzo, actuó frente a la Princesa Margarita en el Royal Albert Hall de Londres, recaudando fondos para la Sociedad Nacional para la Prevención de la Crueldad contra los Niños. [304] El 14 de marzo, grabó con Nelson Riddle por última vez, grabando las canciones "Linda", "Sweet Loraine" y "Barbara". [305] Los dos hombres tuvieron una gran pelea, y luego arreglaron sus diferencias en enero de 1985 en una cena organizada para Ronald Reagan, cuando Sinatra le pidió a Riddle que hiciera otro álbum con él. Riddle estaba enfermo en ese momento y murió ese octubre, antes de que tuvieran la oportunidad de grabar. [306]

En 1978, Sinatra presentó una demanda de $ 1 millón contra un desarrollador de tierras por usar su nombre en el "Frank Sinatra Drive Center" en el oeste de Los Ángeles. [307] Durante una fiesta en el Caesars en 1979, recibió el premio Grammy Trustees Award, mientras celebraba 40 años en el mundo del espectáculo y su 64 cumpleaños. [308] [309] Ese año, el ex presidente Gerald Ford le otorgó a Sinatra el premio al Hombre Internacional del Año, [310] y actuó frente a las pirámides egipcias para Anwar Sadat, que recaudó más de $ 500,000 para organizaciones benéficas de la esposa de Sadat. [304]

En 1980, se lanzó el primer álbum de Sinatra en seis años, Trilogía: pasado, presente, futuro, un álbum triple muy ambicioso que incluye una variedad de canciones tanto de la era pre-rock como de la era del rock. [311] Fue el primer álbum de estudio de Sinatra en presentar a su pianista de gira en ese momento, Vinnie Falcone, y se basó en una idea de Sonny Burke. [312] El álbum obtuvo seis nominaciones al Grammy, ganando por las mejores notas, y alcanzó el puesto número 17 en la lista de álbumes de Billboard, [311] y generó otra canción que se convertiría en una melodía característica, "Theme from New York, New York". . [305] Ese año, como parte del Concierto de las Américas, actuó en el Estadio Maracaná en Río de Janeiro, Brasil, que batió récords de "audiencia paga en vivo más grande jamás registrada para un solista". [313] Al año siguiente, Sinatra se basó en el éxito de Trilogía con Ella me disparo, un álbum que fue elogiado por encarnar el tono oscuro de sus años en el Capitolio. [314] También en 1981, Sinatra se vio envuelto en una controversia cuando trabajó en un contrato de diez días por $ 2 millones en Sun City, en la Bophuthatswana no reconocida internacionalmente, rompiendo un boicot cultural contra la Sudáfrica de la era del apartheid. El presidente Lucas Mangope otorgó a Sinatra el más alto honor, la Orden del Leopardo, y lo nombró jefe tribal honorario. [315]

Carrera posterior (1982-1998) Editar

Santopietro afirmó que a principios de la década de 1980, la voz de Sinatra se había "endurecido, perdiendo gran parte de su poder y flexibilidad, pero al público no le importaba". [316] En 1982, firmó un contrato de $ 16 millones por tres años con el Golden Nugget de Las Vegas. Kelley señala que en este período la voz de Sinatra se había vuelto "más oscura, más dura y más franca", pero "continuó cautivando al público con su magia inmutable". Añadió que su voz de barítono "a veces se quebraba, pero las entonaciones deslizantes todavía despertaban los mismos arrebatos de deleite que tenían en el Paramount Theatre". [317] Ese año ganó $ 1.3 millones adicionales de los derechos de televisión de Showtime para su "Concierto de las Américas" en la República Dominicana, $ 1.6 millones para una serie de conciertos en el Carnegie Hall y $ 250,000 en solo una noche en el Chicago Fest. . Donó gran parte de sus ganancias a la caridad. [318] Actuó en la Casa Blanca para el primer ministro italiano y actuó en el Radio City Music Hall con Luciano Pavarotti y George Shearing. [319]

Sinatra fue seleccionada como una de las cinco ganadoras de los Kennedy Center Honors de 1983, junto con Katherine Dunham, James Stewart, Elia Kazan y Virgil Thomson. Citando a Henry James, el presidente Reagan dijo al honrar a su viejo amigo que "el arte era la sombra de la humanidad" y que Sinatra se había "pasado la vida proyectando una sombra magnífica y poderosa". [320] El 21 de septiembre de 1983, Sinatra presentó un caso judicial de 2 millones de dólares contra Kitty Kelley, demandándola por daños punitivos, antes de su biografía no oficial, Su camino, incluso se publicó. El libro se convirtió en un éxito de ventas por "todas las razones equivocadas" y "la biografía de celebridades más reveladora de nuestro tiempo", según William Safire de Los New York Times. [321] Sinatra siempre insistió en que tal libro se escribiría en sus términos, y él mismo "dejaría las cosas claras" en los detalles de su vida. [322] Según Kelley, la familia la detestaba a ella y al libro, lo que afectó la salud de Sinatra. Kelley afirma que Tina Sinatra la culpó de la cirugía de colon de su padre en 1986. [323] Se vio obligado a abandonar el caso el 19 de septiembre de 1984, y varios periódicos importantes expresaron su preocupación por sus opiniones sobre la censura. [324]

En 1984, Sinatra trabajó con Quincy Jones por primera vez en casi dos décadas en el álbum. L.A. es mi dama, que fue bien recibido por la crítica. [325] El álbum sustituyó a otro proyecto de Jones, un álbum de duetos con Lena Horne, que tuvo que ser abandonado. [z] En 1986, Sinatra colapsó en el escenario mientras actuaba en Atlantic City y fue hospitalizado por diverticulitis, [327] que lo dejó con un aspecto frágil. [328] Dos años más tarde, Sinatra se reunió con Martin y Davis y participó en el Rat Pack Reunion Tour, durante el cual tocaron en muchos estadios importantes. Cuando Martin abandonó la gira al principio, se desarrolló una brecha entre ellos y los dos nunca volvieron a hablar. [329]

El 6 de junio de 1988, Sinatra realizó sus últimas grabaciones con Reprise para un álbum que no fue lanzado. Grabó "My Foolish Heart", "Cry Me A River" y otras canciones. Sinatra nunca completó el proyecto, pero la toma número 18 de "My Foolish Heart" se puede escuchar en The Complete Reprise Studio Recordings (1995). [330]

En 1990, Sinatra recibió el segundo "Premio Ella" de la Sociedad de Cantantes con sede en Los Ángeles y actuó por última vez con Ella Fitzgerald en la ceremonia de premiación. [331] Sinatra mantuvo un programa de giras activo a principios de la década de 1990, realizando 65 conciertos en 1990, 73 en 1991 y 84 en 1992 en diecisiete países diferentes. [332]

En 1993, Sinatra regresó a Capitol Records y al estudio de grabación de Duetos, que se convirtió en su álbum más vendido. [333] El álbum y su secuela, Duetos II, lanzado al año siguiente, [334] vería a Sinatra rehacer sus grabaciones clásicas con artistas contemporáneos populares, que agregaron sus voces a una cinta pregrabada. [335] Durante sus giras a principios de la década de 1990, su memoria le falló en ocasiones durante los conciertos, y se desmayó en el escenario en Richmond, Virginia, en marzo de 1994. [336] Sus últimos conciertos públicos se llevaron a cabo en Fukuoka Dome en Japón el 19 de diciembre. –20, 1994. [337] Al año siguiente, Sinatra cantó por última vez el 25 de febrero de 1995, ante una audiencia en vivo de 1200 invitados selectos en el Palm Desert Marriott Ballroom, en la noche de clausura del Frank Sinatra Desert Classic golf. torneo. [338] don informó del programa que Sinatra era "claro, duro, con el dinero" y "en control absoluto". [339] Sinatra fue galardonado con el Premio Leyenda en los Premios Grammy de 1994, donde fue presentado por Bono, quien dijo de él: "Frank es el presidente de la mala actitud. El rock 'n roll juega a ser duro, pero este tipo es el jefe - el presidente del jefe. No voy a meterme con él, ¿verdad? " [340] [341]

En 1995, para conmemorar el 80 cumpleaños de Sinatra, el Empire State Building se iluminó de azul. [342] Un tributo de cumpleaños repleto de estrellas, Sinatra: 80 años a mi manera, se llevó a cabo en el Auditorio Shrine de Los Ángeles, con artistas como Ray Charles, Little Richard, Natalie Cole y Salt-N-Pepa cantando sus canciones. [343] Al final del programa, Sinatra se presentó en el escenario por última vez para cantar las notas finales del "Tema de Nueva York, Nueva York" con un conjunto. [344] En reconocimiento a sus muchos años de asociación con Las Vegas, Frank Sinatra fue elegido miembro del Salón de la Fama del Juego en 1997. [345]

Si bien Sinatra nunca aprendió a leer bien la música, tenía una comprensión fina y natural de la misma, [346] y trabajó muy duro desde una edad temprana para mejorar sus habilidades en todos los aspectos de la música. [347] Podía seguir una hoja principal durante una actuación "siguiendo cuidadosamente los patrones y agrupaciones de notas dispuestas en la página" e hizo sus propias notaciones con la música, usando su oído para detectar diferencias semitonales. [348] Granata afirma que algunos de los músicos de formación clásica más consumados pronto notaron su comprensión musical y comentó que Sinatra tenía un "sexto sentido", que "demostró una competencia inusual cuando se trataba de detectar notas y sonidos incorrectos dentro de la orquesta". [349] Sinatra era un aficionado a la música clásica, [350] ya menudo solicitaba variedades clásicas en su música, inspirado por compositores como Puccini y maestros impresionistas. Su favorito personal fue Ralph Vaughan Williams. [351] Insistía en grabar siempre en vivo con la banda porque le daba "cierta sensación" actuar en vivo rodeado de músicos. [352] A mediados de la década de 1940, su comprensión de la música era tal que después de escuchar una prueba de aire de algunas composiciones de Alec Wilder que eran para cuerdas y vientos de madera, se convirtió en el director de Columbia Records para seis de las composiciones de Wilder: "Air for Oboe "," Aire para trompa "," Aire para flauta "," Aire para fagot "," Baile lento "y" Tema y variaciones ". [aa] Las obras, que combinan elementos de jazz y música clásica, fueron consideradas por Wilder como una de las mejores interpretaciones y grabaciones de sus composiciones, pasadas o presentes. [346] En una sesión de grabación con el arreglista Claus Ogerman y una orquesta, Sinatra escuchó "un par de pequeños extraños" en la sección de cuerdas, lo que llevó a Ogerman a hacer correcciones a lo que se pensaba eran errores del copista. [346] El crítico Gene Lees, letrista y autor de la letra de la melodía de Jobim "This Happy Madness", expresó su asombro cuando escuchó la grabación de Sinatra en Sinatra & amp Company (1971), considerándolo haber entregado la letra a la perfección. [353]

El entrenador de voz John Quinlan quedó impresionado por el rango vocal de Sinatra, y comentó: "Tiene mucha más voz de la que la gente cree que tiene. Puede vocalizar en un si bemol en la parte superior con voz completa, y tampoco necesita un micrófono". [42] Como cantante, al principio fue influenciado principalmente por Bing Crosby, [35] pero luego creyó que Tony Bennett era "el mejor cantante en el negocio". [354] Bennett también elogió al propio Sinatra, afirmando que como intérprete había "perfeccionado el arte de la intimidad". [355] Según Nelson Riddle, Sinatra tenía una "voz bastante aguda", [ab] comentando que "Su voz tiene un sonido muy estridente e insistente en el registro superior, un sonido lírico suave en el registro medio y un sonido muy tierno Sonido en voz baja. Su voz se basa en un gusto infinito, con una inflexión general del sexo. Señala todo lo que hace desde el punto de vista sexual ”. [356] A pesar de su fuerte acento de Nueva Jersey, según Richard Schuller, cuando Sinatra cantaba su acento era apenas perceptible, con su dicción volviéndose "precisa" y la articulación "meticulosa". [356] Su sincronización fue impecable, lo que le permitió, según Charles L. Granata, "jugar con el ritmo de una melodía, aportando una tremenda emoción a la lectura de una letra". [357] Tommy Dorsey observó que Sinatra "tomaba una frase musical y la tocaba hasta el final aparentemente sin respirar durante ocho, diez, tal vez dieciséis compases".Dorsey fue una influencia considerable en las técnicas de Sinatra para su fraseo vocal con su propio control excepcional de la respiración en el trombón, [358] y Sinatra regularmente nadaba y contenía la respiración bajo el agua, pensando en la letra de las canciones para aumentar su poder respiratorio. [68]

—Barbara Sinatra sobre la voz y la comprensión musical de Sinatra. [359]

Organizadores como Nelson Riddle y Anthony Fanzo encontraron que Sinatra era un perfeccionista que constantemente se conducía a sí mismo y a los demás a su alrededor, afirmando que sus colaboradores se acercaban a él con una sensación de inquietud debido a su temperamento impredecible y, a menudo, volátil. [360] Granata comenta que Sinatra estaba casi fanáticamente obsesionado con la perfección hasta el punto de que la gente comenzó a preguntarse si estaba realmente preocupado por la música o mostrando su poder sobre los demás. [123] En los días en que sentía que su voz no era la correcta, lo sabría después de unas pocas notas y pospondría la sesión de grabación hasta el día siguiente, y aun así pagaría a sus músicos. [361] Después de un período de actuación, Sinatra se cansó de cantar un cierto conjunto de canciones y siempre estaba buscando nuevos compositores y compositores talentosos con quienes trabajar. Una vez que encontró los que le gustaban, buscó activamente trabajar con ellos tan a menudo como pudo y se hizo amigo de muchos de ellos. Una vez le dijo a Sammy Cahn, quien escribió canciones para Leven anclas, "si no estás el lunes, yo no estaré el lunes". A lo largo de los años, grabó 87 de las canciones de Cahn, de las cuales 24 fueron compuestas por Jule Styne y 43 por Jimmy Van Heusen. La asociación Cahn-Styne duró desde 1942 hasta 1954, cuando Van Heusen lo sucedió como principal compositor de Sinatra. [362]

A diferencia de muchos de sus contemporáneos, Sinatra insistió en el aporte directo con respecto a los arreglos y tempos de sus grabaciones. Pasaba semanas pensando en las canciones que quería grabar y tenía en mente un arreglista para cada canción. Si fuera una canción de amor suave, preguntaría por Gordon Jenkins. Si fuera un número de "ritmo", pensaría en Billy May, o quizás en Neil Hefti o algún otro arreglista favorito. Jenkins consideró infalible el sentido musical de Sinatra. Sus cambios en los gráficos de Riddle frustrarían a Riddle, sin embargo, generalmente admitiría que las ideas de Sinatra eran superiores. [363] Barbara Sinatra señala que Sinatra casi siempre acreditaba al compositor al final de cada número y, a menudo, hacía comentarios a la audiencia, como "¿No es una balada bonita?" O "¿No crees que es la la más maravillosa canción de amor ", entregada con" alegría infantil ". [364] Afirma que después de cada espectáculo, Sinatra estaría "de un humor alegre y cargado de electricidad, un subidón posterior al espectáculo del que tardaría horas en bajar mientras revivía en silencio cada nota de la actuación que acababa de dar. ". [365]

—Nelson Riddle al señalar el desarrollo de la voz de Sinatra en 1955. [366]

La separación de Sinatra con Gardner en el otoño de 1953 tuvo un profundo impacto en los tipos de canciones que cantaba y en su voz. Comenzó a consolarse con canciones de "melancolía inquietante", como "I'm a Fool to Want You", "Don't Worry 'Bout Me", "My One and Only Love" y "There Will Never Be Otro tú ", [367] que Riddle creía que era la influencia directa de Ava Gardner. Lahr comenta que el nuevo Sinatra "no era el baladista de los años cuarenta. La fragilidad había desaparecido de su voz, para ser reemplazada por la sensación de felicidad y dolor de un adulto viril". [368] El autor Granata consideró a Sinatra un "maestro del arte de grabar", y señaló que su trabajo en el estudio "lo diferenciaba de otros talentosos vocalistas". Durante su carrera realizó más de 1000 grabaciones. [369] Las sesiones de grabación normalmente duraban tres horas, aunque Sinatra siempre se preparaba para ellas pasando al menos una hora al piano de antemano para vocalizar, seguida de un breve ensayo con la orquesta para asegurar el equilibrio del sonido. [370] Durante sus años en Columbia, Sinatra usó un micrófono RCA 44, que Granata describe como "el micrófono 'anticuado' que está estrechamente asociado con la imagen de cantante de Sinatra de la década de 1940", aunque cuando actuó en programas de entrevistas más tarde usó una bala. -formado RCA 77. [371] En Capitol usó un Neumann U47, un micrófono "ultrasensible" que capturaba mejor el timbre y el tono de su voz. [372]

En la década de 1950, la carrera de Sinatra se vio facilitada por los avances tecnológicos. El LP de doce pulgadas ahora podía contener hasta dieciséis canciones, y esto le permitió a Sinatra usar la canción de una manera novelística, convirtiendo cada pista en una especie de capítulo, que construía y contrapuntaba estados de ánimo para iluminar un tema más amplio ". [373 ] Santopietro escribe que durante la década de 1950 y hasta bien entrada la de 1960, "Cada LP de Sinatra fue una obra maestra de una clase de otra, ya sea uptempo, canción de antorcha o asuntos de swing. Pista tras pista, los brillantes álbumes conceptuales redefinieron la naturaleza del arte vocal pop ". [374]

Debut, películas musicales y depresión profesional (1941-1952) Editar

Sinatra intentó seguir una carrera como actriz en Hollywood a principios de la década de 1940. Si bien las películas le atraían, [375] era excepcionalmente seguro de sí mismo [376], rara vez se mostraba entusiasmado con su propia actuación, y una vez comentó que "las imágenes apestan". [377] Sinatra hizo su debut cinematográfico actuando en una secuencia no acreditada en Noches de Las Vegas (1941), cantando "I'll Never Smile Again" con Pied Pipers de Tommy Dorsey. [378] Tuvo un cameo junto con Duke Ellington y Count Basie en Charles Barton Diana con Beverly (1943), haciendo una breve aparición cantando "Night and Day". [379] A continuación, se le asignaron papeles protagónicos en Alto y más alto y Paso animado (ambos de 1944) para RKO. [380] [381]

Metro-Goldwyn-Mayer eligió a Sinatra junto a Gene Kelly y Kathryn Grayson en el musical Technicolor Leven anclas (1945), en la que interpretó a un marinero de permiso en Hollywood durante cuatro días. [382] [383] Un gran éxito, [384] obtuvo varias nominaciones y premios de la Academia, y la canción "I Fall in Love Too Easily", cantada por Sinatra en la película, fue nominada al Premio de la Academia a la Mejor Original. Canción. [385] Apareció brevemente al final del éxito comercial de Richard Whorf. Hasta que las nubes pasen (1946), una película biográfica musical en tecnicolor de Jerome Kern, en la que cantó "Ol 'Man River". [386]

Sinatra coprotagonizó nuevamente con Gene Kelly en el musical Technicolor Llévame al juego de pelota (1949), una película ambientada en 1908, en la que Sinatra y Kelly interpretan a jugadores de béisbol que son vodevilianos a tiempo parcial. [387] Se asoció con Kelly por tercera vez en En la ciudad (también 1949), interpretando a un marinero de permiso en la ciudad de Nueva York. La película sigue siendo muy valorada por los críticos y en 2006 ocupó el puesto 19 en la lista de mejores musicales del American Film Institute. [388] Ambos Doble dinamita (1951), una comedia de RKO Irving Cummings producida por Howard Hughes, [389] y Joseph Pevney Conoce a Danny Wilson (1952) no logró impresionar. [390] El New York World Telegram y Sun publicó el titular "Se fue con Frankie en el '42 Se fue en el '52". [391]

Regreso a la carrera y mejor momento (1953-1959) Editar

Fred Zinnemann's De aquí a la eternidad (1953) trata de las tribulaciones de tres soldados, interpretados por Burt Lancaster, Montgomery Clift y Sinatra, estacionados en Hawai en los meses previos al ataque a Pearl Harbor. [392] Sinatra había estado desesperado durante mucho tiempo por encontrar un papel en el cine que lo devolviera al centro de atención, y el jefe de Columbia Pictures, Harry Cohn, se vio inundado de llamamientos de personas de todo Hollywood para que Sinatra tuviera la oportunidad de interpretar a "Maggio" en la película. película. [393] [ac] Durante la producción, Montgomery Clift se convirtió en un amigo cercano, [395] y Sinatra más tarde profesó que "aprendió más sobre la actuación de él que nadie que yo haya conocido antes". [396] Después de varios años de declive crítico y comercial, su premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto lo ayudó a recuperar su posición como el mejor artista discográfico del mundo. [397] Su actuación también ganó un Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto - Película. [398] El Examinador de Los Ángeles escribió que Sinatra es "simplemente soberbio, cómico, lastimoso, infantilmente valiente, patéticamente desafiante", comentando que su escena de muerte es "una de las mejores jamás fotografiadas". [399]

Sinatra protagonizó junto a Doris Day en la película musical. Jóvenes de corazón (1954), [400] y obtuvo elogios de la crítica por su actuación como un asesino psicópata haciéndose pasar por un agente del FBI junto a Sterling Hayden en la película negra. Repentinamente (también 1954). [401]

Sinatra fue nominado a un Premio de la Academia al Mejor Actor y al Premio BAFTA al Mejor Actor en un Papel Protagónico por su papel de adicto a la heroína en El hombre del brazo dorado (1955). [402] [ad] Después de los roles en Chicos y muñecas, [404] y La tierna trampa (ambos de 1955), [405] Sinatra fue nominado para un premio BAFTA al mejor actor en un papel principal por su papel como estudiante de medicina en el debut como director de Stanley Kramer, No como un extraño (también 1955). [406] Durante la producción, Sinatra se emborrachó con Robert Mitchum y Broderick Crawford y destrozó el camerino de Kramer. [407] Kramer prometió no volver a contratar a Sinatra en ese momento, y luego lamentó haberlo elegido como líder guerrillero español en El orgullo y la pasión (1957). [408] [409]

Sinatra apareció junto a Bing Crosby y Grace Kelly en Alta sociedad (1956) para MGM, ganando 250.000 dólares por la imagen. [410] El público se apresuró a ir a los cines para ver a Sinatra y Crosby juntos en la pantalla, y terminó ganando más de $ 13 millones en taquilla, convirtiéndose en una de las películas más taquilleras de su año. [411] Actuó junto a Rita Hayworth y Kim Novak en George Sidney Pal Joey (1957), Sinatra, por la que ganó el Globo de Oro al Mejor Actor de Película Musical o Comedia. [398] Santopietro considera que la escena en la que Sinatra canta "La dama es un vagabundo" a Hayworth ha sido el mejor momento de su carrera cinematográfica. [412] Luego interpretó al comediante Joe E. Lewis en El Joker es salvaje (también 1957) [413] la canción "All the Way" ganó el Premio de la Academia a la Mejor Canción Original. [414] En 1958, Sinatra fue uno de los diez mayores atractivos de taquilla en los Estados Unidos, [415] apareciendo con Dean Martin y Shirley MacLaine en Vincente Minnelli Algunos vinieron corriendo y Los reyes van adelante (ambos de 1958) con Tony Curtis y Natalie Wood. [416] "High Hopes", cantada por Sinatra en la comedia de Frank Capra, Un agujero en la cabeza (1959), [417] [418] ganó el Premio de la Academia a la Mejor Canción Original, [419] y se convirtió en un éxito en las listas de éxitos, con una duración de 17 semanas en el Hot 100. [420]

Carrera posterior (1960-1980) Editar

Debido a una obligación que tenía con 20th Century Fox por abandonar el set de Henry King Carrusel (1956), [ae] Sinatra actuó junto a Shirley MacLaine, Maurice Chevalier y Louis Jourdan en Cancán (1960). Ganó $ 200,000 y el 25% de las ganancias por la actuación. [421] Casi al mismo tiempo, protagonizó el set de Las Vegas Ocean's 11 (también 1960), la primera película que presenta a Rat Pack juntos y el comienzo de una "nueva era de pantalla genial" para Santopietro. [422] Sinatra financió personalmente la película y pagó a Martin y Davis honorarios de $ 150.000 y $ 125.000 respectivamente, sumas consideradas exorbitantes para el período. [423] Tuvo un papel principal junto a Laurence Harvey en El candidato de Manchuria (1962), que consideraba el papel que más le ilusionaba y el punto culminante de su carrera cinematográfica. [424] Vincent Canby, escribiendo para la revista Variedad, encontró que la interpretación del personaje de Sinatra es "un profesional despierto que crea un personaje directo, con un humor tranquilo y con cierta sensibilidad". [425] Apareció con el Rat Pack en el oeste. Sargentos 3 (también 1962), siguiéndolo con 4 para Texas (1963). [423] Por su actuación en Ven a soplar tu bocina (también 1963) adaptado de la obra de Neil Simon, fue nominado al Globo de Oro al Mejor Actor de Película Musical o Comedia. [398]

Sinatra dirigió Ninguno excepto los valientes (1965), [426] y Expreso de Von Ryan (1965) fue un gran éxito, [427] [428] Sin embargo, a mediados de la década de 1960, Brad Dexter quería "dar nueva vida" a la carrera cinematográfica de Sinatra ayudándolo a mostrar el mismo orgullo profesional en sus películas que en sus grabaciones. . En una ocasión, le dio a la novela de Sinatra Anthony Burgess Una Naranja Mecánica (1962) para leer, con la idea de hacer una película, pero Sinatra pensó que no tenía potencial y no entendió una palabra. [429] [af]

A finales de la década de 1960, Sinatra se hizo conocido por interpretar a detectives, [432] incluido Tony Rome en Tony Roma (1967) y su secuela Dama de cemento (1968). [433] [434] También desempeñó un papel similar en El detective (1968). [435]

Sinatra actuó junto a George Kennedy en el western Sucio Dingus Magee (1970), un asunto "abismal" según Santopietro, [436] que fue criticado por la crítica. [437] [438] Al año siguiente, Sinatra recibió un Globo de Oro Cecil B. DeMille Award [398] y tenía la intención de interpretar al detective Harry Callahan en Harry el sucio (1971), pero tuvo que rechazar el papel debido al desarrollo de la contractura de Dupuytren en su mano. [439] El último papel importante de Sinatra en una película fue junto a Faye Dunaway en Brian G. Hutton El primer pecado mortal (1980). Santopietro dijo que, como un policía de homicidios en problemas de la ciudad de Nueva York, Sinatra dio una caracterización "extraordinariamente rica" ​​y con muchas capas, una que "fue una excelente despedida" de su carrera cinematográfica. [440]

Después de comenzar el Hora amateur de Major Bowes programa de radio con los Hoboken Four en 1935, y más tarde WNEW y WAAT en Jersey City, [52] Sinatra se convirtió en la estrella de sus propios programas de radio en NBC y CBS desde principios de la década de 1940 hasta mediados de la de 1950. En 1942, Sinatra contrató al arreglista Axel Stordahl lejos de Tommy Dorsey antes de que comenzara su primer programa de radio ese año, manteniendo a Stordahl con él para todo su trabajo de radio. [441] A finales de 1942, fue nombrado "Vocalista masculino más popular de la radio" en un DownBeat encuesta. [442] Al principio trabajó con frecuencia con The Andrews Sisters en la radio, y aparecían como invitados en los programas de los demás, [111] así como en muchos programas de USO transmitidos a las tropas a través del Servicio de Radio de las Fuerzas Armadas (AFRS). [112] Apareció como invitado especial en ABC de las hermanas. Rancho de ocho a la barra serie, [443] mientras que el trío a su vez adivinó en su Canciones de Sinatra serie en CBS. [444] Sinatra tuvo dos temporadas como miembro regular del elenco de Tu Hit Parade [ag] el primero fue de 1943 a 1945, [446] y el segundo fue de 1946 al 28 de mayo de 1949, [447] durante el cual fue emparejado con la entonces nueva cantante, Doris Day. [448] A partir de septiembre de 1949, la agencia de publicidad BBD & ampO produjo una serie de radio protagonizada por Sinatra para Lucky Strike llamada Tiempo de iluminación - unos 176 espectáculos de 15 minutos en los que Frank y Dorothy Kirsten cantaban - que duraron hasta mayo de 1950 [449].

En octubre de 1951, la segunda temporada de El show de Frank Sinatra comenzó en CBS Television. Al final, Sinatra no encontró en televisión el éxito que esperaba. [ah] Santopietro escribe que Sinatra "simplemente nunca apareció completamente a gusto en su propia serie de televisión, su personalidad nerviosa e impaciente transmitía una energía reprimida a punto de explotar". [451] En 1953, Sinatra protagonizó el programa de radio NBC Fortuna rocosa, retratando a Rocco Fortunato (también conocido como Rocky Fortune), un trabajador temporal "libre y elegante" de la Agencia de Empleo Gridley que se tropieza con la resolución de crímenes. La serie se emitió en la radio NBC los martes por la noche desde octubre de 1953 hasta marzo de 1954. [452]

En 1957, Sinatra formó un contrato de tres años y $ 3 millones con ABC para lanzar El show de Frank Sinatra, presentándose a sí mismo e invitados en 36 espectáculos de media hora. ABC acordó permitir que Hobart Productions de Sinatra se quedara con el 60% de los residuos y compró acciones en la unidad de producción de películas de Sinatra, Kent Productions, garantizándole $ 7 millones. [453] Aunque fue un éxito de crítica inicial en su debut el 18 de octubre de 1957, pronto atrajo críticas negativas de Variedad y La nueva república, y El Chicago Sun-Times pensó que Sinatra y el invitado frecuente Dean Martin "actuaban como un par de delincuentes adultos", "compartiendo el mismo cigarrillo y mirando lascivamente a las chicas". [454] A cambio, Sinatra luego hizo numerosas apariciones en El show de Dean Martin y especiales de televisión de Martin. [455]

El cuarto y último especial de Timex TV de Sinatra, Bienvenido a casa Elvis, fue transmitido en marzo de 1960, obteniendo cifras de audiencia masivas. Durante el espectáculo, realizó un dúo con Presley, quien cantó el éxito de 1957 de Sinatra "Witchcraft" con el presentador interpretando el clásico de 1956 de Presley "Love Me Tender". Sinatra había sido previamente muy crítico con Elvis Presley y el rock and roll en la década de 1950, describiéndolo como un "afrodisíaco deplorable, de olor rancio" que "fomenta reacciones casi totalmente negativas y destructivas en los jóvenes". [456] [ai] Un especial de CBS News sobre el 50 cumpleaños del cantante, Frank Sinatra: un hombre y su música, se transmitió el 16 de noviembre de 1965 y obtuvo un premio Emmy y un premio Peabody. [458]

Según su colaboración musical con Jobim y Ella Fitzgerald en 1967, Sinatra apareció en el especial de televisión, Un hombre y su música + Ella + Jobim, que fue transmitido por CBS el 13 de noviembre. [459] Cuando Sinatra salió de su retiro en 1973, lanzó un álbum y apareció en un especial de televisión llamado Ol 'Blue Eyes está de vuelta. El especial de televisión se destacó por una lectura dramática de "Send in the Clowns" y una secuencia de canciones y bailes con el ex coprotagonista Gene Kelly. [460] A finales de la década de 1970, John Denver apareció como invitado en el Sinatra y amigos Especial de ABC-TV, cantando "September Song" a dúo. [461]

Sinatra interpretó a un detective en Contrato en Cherry Street (1977), citado como su "único papel protagónico en una película dramática para televisión". [462] Diez años después, hizo una aparición especial junto a Tom Selleck en Magnum, P.I., interpretando a un policía retirado que se une a Selleck para encontrar al asesino de su nieta. Filmado en enero de 1987, el episodio se emitió en CBS el 25 de febrero [463].

Sinatra tuvo tres hijos, Nancy (nacida en 1940), Frank Jr. (1944-2016) y Tina (nacida en 1948), con su primera esposa, Nancy Sinatra (de soltera Barbato, 1917-2018), con quien estuvo casado de 1939 a 1951. [464] [465]

Sinatra había conocido a Barbato en Long Branch, Nueva Jersey a fines de la década de 1930, donde pasó la mayor parte del verano trabajando como salvavidas. [466] Accedió a casarse con ella después de un incidente en "The Rustic Cabin" que llevó a su arresto. [aj] Sinatra tuvo numerosas aventuras extramatrimoniales, [470] y las revistas de chismes publicaron detalles de las aventuras amorosas con mujeres como Marilyn Maxwell, Lana Turner y Joi Lansing. [471] [ak]

—Barbara Sinatra sobre la popularidad de Sinatra entre las mujeres. [473]

Sinatra estuvo casado con la actriz de Hollywood Ava Gardner de 1951 a 1957. Fue un matrimonio turbulento con muchas peleas y altercados muy publicitados. [474] La pareja anunció formalmente su separación el 29 de octubre de 1953, a través de MGM. [475] Gardner solicitó el divorcio en junio de 1954, en un momento en que estaba saliendo con el matador Luis Miguel Dominguín, [476] pero el divorcio no se resolvió hasta 1957. [477] Sinatra siguió sintiendo un sentimiento muy fuerte por ella, [477] y siguieron siendo amigos de por vida. [478] Él todavía estaba lidiando con sus finanzas en 1976. [479]

Según los informes, Sinatra rompió sus compromisos con Lauren Bacall en 1958 [480] y Juliet Prowse en 1962. [481] Se casó con Mia Farrow el 19 de julio de 1966, un matrimonio breve que terminó con el divorcio en México en agosto de 1968 [482]. amigos cercanos de por vida, [483] y en una entrevista de 2013, Farrow dijo que Sinatra podría ser el padre de su hijo Ronan Farrow (nacido en 1987). [484] [485] En 2015 CBS Domingo por la mañana En la entrevista, Nancy Sinatra desestimó la afirmación como "una tontería". [486]

Sinatra estuvo casado con Barbara Marx desde 1976 hasta su muerte. [487] La ​​pareja se casó el 11 de julio de 1976 en Sunnylands, en Rancho Mirage, California, propiedad del magnate de los medios Walter Annenberg. [488]

Sinatra era amigo cercano de Jilly Rizzo, [489] el compositor Jimmy Van Heusen, el golfista Ken Venturi, el comediante Pat Henry y el gerente de béisbol Leo Durocher. [490] En su tiempo libre, disfrutaba escuchando música clásica y asistía a conciertos cuando podía. [350] Nadó a diario en el Océano Pacífico, encontrándolo terapéutico y proporcionándole la soledad que tanto necesitaba. [491] A menudo jugaba golf con Venturi en el campo de Palm Springs, donde vivía, [492] y le gustaba pintar, leer y construir modelos de ferrocarriles. [493]

Aunque Sinatra criticó a la iglesia en numerosas ocasiones [494] y tuvo una visión panteísta, similar a la de Einstein, de Dios en su vida anterior, [495] recurrió al catolicismo romano en busca de curación después de que su madre muriera en un accidente aéreo en 1977. Murió como católico practicante y tuvo un entierro católico. [496]

Estilo y personalidad Editar

Sinatra era conocido por su inmaculado sentido del estilo. [497] Gastó generosamente en costosos esmóquines hechos a medida y elegantes trajes a rayas, que lo hacían sentir rico e importante, y que estaba dando lo mejor de sí a la audiencia. [498] [499] También estaba obsesionado con la limpieza, mientras que con la banda de Tommy Dorsey desarrolló el apodo de "Lady Macbeth", debido a que se duchaba con frecuencia y se cambiaba de ropa. [500] Sus profundos ojos azules le valieron el apodo popular de "Ol 'Blue Eyes". [501]

Para Santopietro, Sinatra era la personificación de América en la década de 1950: "arrogante, ojo en la oportunidad principal, optimista y lleno de sentido de posibilidad". [502] Barbara Sinatra escribió: "Una gran parte de la emoción de Frank era la sensación de peligro que exudaba, una tensión subyacente y omnipresente que sólo los más cercanos a él sabían que podía apaciguarse con humor". [490] Cary Grant, un amigo de Sinatra, declaró que Sinatra era la "persona más honesta que había conocido", que decía "una verdad simple, sin artificios que asustaran a la gente", y que a menudo se conmovía hasta las lágrimas por sus actuaciones. . [503] Jo-Caroll Dennison comentó que poseía "una gran fuerza interior", y que su energía y empuje eran "enormes". [138] Adicto al trabajo, según los informes, solo dormía cuatro horas por noche en promedio. [504] A lo largo de su vida, Sinatra tuvo cambios de humor y episodios de depresión leve a severa, [505] y le dijo a un entrevistador en la década de 1950 que "tengo una capacidad demasiado aguda para la tristeza y la euforia". [506] Barbara Sinatra declaró que "criticaría a cualquiera por el menor delito menor", [507] mientras que Van Heusen dijo que cuando Sinatra se emborrachaba era "mejor desaparecer". [508]

Los cambios de humor de Sinatra a menudo se convirtieron en violencia, dirigida a las personas que sentía que se le habían enfrentado, en particular a los periodistas que le daban críticas mordaces, publicistas y fotógrafos. [509] Según Rojek, era "capaz de un comportamiento profundamente ofensivo que olía a un complejo de persecución". [510] Recibió prensa negativa por peleas con Lee Mortimer en 1947, el fotógrafo Eddie Schisser en Houston en 1950, el publicista de Judy Garland Jim Byron en Sunset Strip en 1954, [509] [511] y por una confrontación con El Correo de Washington la periodista Maxine Cheshire en 1973, en la que insinuaba que era una prostituta barata. [510] [al]

Su enemistad con entonces-Chicago Sun Times El columnista Mike Royko comenzó cuando Royko escribió una columna cuestionando por qué la policía de Chicago ofrecía protección gratuita a Sinatra cuando el cantante tenía su propia seguridad. Sinatra envió una carta enojada en respuesta llamando a Royko un "proxeneta" y amenazando con "darte un puñetazo en la boca" por especular que llevaba un toupée. [512] Royko subastó la carta y las ganancias se destinaron al Ejército de Salvación. La ganadora de la subasta fue Vie Carlson, madre de Bun E. Carlos del grupo de rock Cheap Trick. Después de aparecer en Antigüedades Roadshow, [513] Carlson entregó la carta a Freeman's Auctioneers & Amp Appraisers, que la subastó en 2010. [514]

Sinatra también fue conocido por su generosidad, [515] particularmente después de su regreso. Kelley señala que cuando Lee J. Cobb estuvo a punto de morir de un ataque cardíaco en junio de 1955, Sinatra lo inundó de "libros, flores, delicias", pagó las facturas del hospital y lo visitó todos los días, diciéndole que su "mejor actuación" aún era venir. [516] En otro caso, después de una discusión con el gerente Bobby Burns, en lugar de disculparse, Sinatra le compró un Cadillac nuevo. [517]

Presuntos vínculos con el crimen organizado y Cal Neva Lodge Editar

Sinatra se convirtió en el estereotipo del "duro italiano de clase trabajadora", algo que él abrazó. Dijo que si no hubiera sido por su interés en la música, probablemente habría terminado en una vida delictiva. [518] Willie Moretti era el padrino de Sinatra y el notorio subjefe de la familia criminal Genovese, y ayudó a Sinatra a cambio de sobornos y se informó que intervino para liberar a Sinatra de su contrato con Tommy Dorsey. [519] Sinatra fue a la Conferencia de la Mafia en La Habana en 1946, [520] y la prensa se enteró de su presencia allí con Lucky Luciano. Un periódico publicó el titular "Vergüenza, Sinatra". [521] Se informó que era un buen amigo de Sam Giancana, [522] y se vio a los dos hombres jugando al golf juntos. [523] Kelley cita a Jo-Carrol Silvers que Sinatra "adoraba" a Bugsy Siegel y se jactaba ante sus amigos de él y de cuántas personas había matado. [524] Kelley afirma que Sinatra y el mafioso Joseph Fischetti habían sido buenos amigos desde 1938 en adelante, y actuaron como "hermanos sicilianos". [525] También afirma que Sinatra y Hank Sanicola eran socios financieros de Mickey Cohen en la revista Gossip. Vida nocturna de Hollywood. [526]

El FBI mantuvo registros por un total de 2.403 páginas sobre Sinatra, quien era un objetivo natural con sus supuestos vínculos con la mafia, su ardiente política del New Deal y su amistad con John F. Kennedy. [527] El FBI lo mantuvo bajo vigilancia durante casi cinco décadas a partir de la década de 1940. Los documentos incluyen relatos de Sinatra como blanco de amenazas de muerte y esquemas de extorsión. [528] El FBI documentó que Sinatra estaba perdiendo la estima por la mafia a medida que se acercaba más al presidente Kennedy, cuyo hermano menor, el fiscal general Robert F. Kennedy, estaba liderando una ofensiva contra el crimen organizado. [529] Sinatra negó la participación de la mafia: "Cualquier informe de que confraternicé con matones o mafiosos es una mentira viciosa". [530]

En 1960, Sinatra compró una participación en Cal Neva Lodge & amp Casino, un hotel casino que se extiende a ambos lados de la línea estatal de California-Nevada en la costa norte del lago Tahoe. Sinatra construyó el teatro Celebrity Room que atrajo a sus amigos del mundo del espectáculo Red Skelton, Marilyn Monroe, Victor Borge, Joe E. Lewis, Lucille Ball, Lena Horne, Juliet Prowse, las hermanas McGuire y otros. Para 1962, según los informes, tenía una participación del 50 por ciento en el hotel. [531] La licencia de juego de Sinatra fue temporalmente despojada por la Junta de Control de Juegos de Nevada en 1963 después de que Giancana fuera vista en las instalaciones. [532] [am] Debido a la presión constante del FBI y la Comisión de Juego de Nevada sobre el control mafioso de los casinos, Sinatra acordó ceder su participación en Cal Neva and the Sands. [534] Ese año, su hijo Frank Jr. fue secuestrado pero finalmente fue liberado ileso. [535] La licencia de juego de Sinatra se restauró en febrero de 1981, tras el apoyo de Ronald Reagan. [536]

Sinatra mantuvo diferentes puntos de vista políticos a lo largo de su vida. Su madre, Dolly Sinatra (1896-1977), fue líder de barrio del Partido Demócrata, [537] y después de reunirse con el presidente Franklin D. Roosevelt en 1944, posteriormente hizo una intensa campaña a favor de los demócratas en las elecciones presidenciales de 1944. [538] Según Jo Carroll Silvers, en su juventud Sinatra tenía simpatías "ardientes liberales" y estaba "tan preocupado por la gente pobre que siempre estaba citando a Henry Wallace". [539] Se manifestó abiertamente contra el racismo, particularmente hacia los negros y los italianos, desde el principio. En noviembre de 1945 Sinatra fue invitada por el alcalde de Gary, Indiana, para tratar de resolver una huelga de estudiantes blancos de Froebel High School contra las políticas "pro-negros" del nuevo director. [540] Sus comentarios, aunque elogiados por las publicaciones liberales, llevaron a algunas acusaciones de que era comunista, lo que él negó rotundamente. [541] En las elecciones presidenciales de 1948, Sinatra hizo campaña activamente para el presidente Harry S. Truman. [542] En 1952 y 1956, también hizo campaña a favor de Adlai Stevenson. [542]

De todos los presidentes de Estados Unidos con los que se asoció durante su carrera, fue el más cercano a John F. Kennedy. [542] Sinatra a menudo invitaba a Kennedy a Hollywood y Las Vegas, y los dos se convertían en mujeres y disfrutaban de las fiestas juntos. [543] En enero de 1961, Sinatra y Peter Lawford organizaron la Gala Inaugural en Washington, DC, celebrada la noche anterior a la toma de posesión del presidente Kennedy. [542] Después de asumir el cargo, Kennedy decidió cortar los lazos con Sinatra debido, en parte, a los lazos del cantante con la mafia. [544] Su hermano Robert, que se desempeñaba como Fiscal General y era conocido por instar al director del FBI J. Edgar Hoover a llevar a cabo aún más represiones contra la mafia, [545] desconfiaba aún más de Sinatra. [544]

En 1962, la amistad de Sinatra con Kennedy, a quien conoció por primera vez en la década de 1950, terminó oficialmente cuando Kennedy decidió oficialmente sacar a Sinatra, quien nunca se libró de los rumores de afiliación a la mafia, [544] de su "pandilla". [546] Sinatra fue desairado por el presidente durante su visita a Palm Springs, donde vivía Sinatra, cuando decidió quedarse con el republicano Bing Crosby, debido a las preocupaciones del FBI sobre las presuntas conexiones de Sinatra con el crimen organizado. [an] A pesar de tener vínculos con la mafia, Crosby no estaba dispuesto a dar tantas pistas públicas como Sinatra. [548] Sinatra había invertido una gran cantidad de su propio dinero en la mejora de las instalaciones de su casa antes de la visita del presidente, dotándola de un helipuerto, que luego destrozó con un mazo al ser rechazado. [549] [550] A pesar del desaire, cuando se enteró del asesinato de Kennedy, según los informes, lloró en su habitación durante tres días. [542] [ao]

Sinatra trabajó con Hubert H. Humphrey en 1968, [552] y siguió siendo partidario del Partido Demócrata hasta principios de la década de 1970. Aunque todavía era un demócrata registrado, Sinatra respaldó al republicano Ronald Reagan para un segundo mandato como gobernador de California en 1970. [553] [542] Cambió oficialmente su lealtad en julio de 1972 cuando apoyó a Richard Nixon para la reelección en las elecciones presidenciales de 1972. [542]

En las elecciones presidenciales de 1980, Sinatra apoyó a Ronald Reagan y donó $ 4 millones a la campaña de Reagan. [554] Sinatra organizó la gala presidencial de Reagan, como lo había hecho para Kennedy 20 años antes. [555] [556] En 1985, Reagan le entregó a Sinatra la Medalla Presidencial de la Libertad y comentó: "Su amor por la patria, su generosidad por los menos afortunados. Lo convierten en uno de nuestros estadounidenses más notables y distinguidos". [321]

Santopietro señala que Sinatra fue un "simpatizante de toda la vida de las causas judías". [557] Fue galardonado con el Premio Hollzer Memorial por la Comunidad Judía de Los Ángeles en 1949. [131] Dio una serie de conciertos en Israel en 1962, y donó su tarifa total de $ 50,000 por aparecer en un cameo en Proyecta una sombra gigante (1966) al Centro Juvenil de Jerusalén. [557] El 1 de noviembre de 1972, recaudó $ 6.5 millones en promesas de fianza para Israel, [277] y recibió el Medallón del Valor por sus esfuerzos. [270] El Centro de Estudiantes Frank Sinatra de la Universidad Hebrea de Jerusalén se inauguró en su nombre en 1978. [310] Tenía un casquete judío, conocido como kipá o yarmulkah, que se vendió como parte de la propiedad de su esposa muchos años después. su muerte. [558]

Desde su juventud, Sinatra mostró simpatía por los afroamericanos y trabajó tanto en público como en privado durante toda su vida para ayudar en la lucha por la igualdad de derechos. Culpó de los prejuicios raciales a los padres de los niños. [559] Sinatra jugó un papel importante en la eliminación de la segregación de los hoteles y casinos de Nevada en las décadas de 1950 y 1960. [560] En el Sands en 1955, Sinatra fue en contra de la política al invitar a Nat King Cole al comedor, [561] y en 1961, después de un incidente en el que una pareja afroamericana entró en el vestíbulo del hotel y fue bloqueada por el El guardia de seguridad, Sinatra y Davis forzaron a la gerencia del hotel a comenzar a contratar meseros y ayudantes negros. [562] El 27 de enero de 1961, Sinatra tocó en un espectáculo benéfico en el Carnegie Hall para Martin Luther King Jr. y llevó a sus compañeros miembros de Rat Pack y compañeros de sello Reprise a boicotear hoteles y casinos que negaban la entrada a clientes y artistas negros. Según su hijo, Frank Jr., King se sentó llorando entre el público en uno de los conciertos de su padre en 1963 mientras Sinatra cantaba "Ol 'Man River", una canción del musical Mostrar barco que es cantado por un estibador afroamericano. [563] Cuando cambió su afiliación política en 1970, Sinatra se volvió menos franco sobre cuestiones raciales. [320] Aunque hizo mucho por las causas de los derechos civiles, no detuvo las burlas raciales ocasionales de él y los otros miembros de Rat Pack hacia Davis en los conciertos. [200] [564]

Sinatra murió con su esposa a su lado en el Centro Médico Cedars-Sinai en Los Ángeles el 14 de mayo de 1998, a los 82 años, luego de un ataque al corazón. [565] [566] Sinatra estaba enfermo durante los últimos años de su vida y fue hospitalizado con frecuencia por problemas cardíacos y respiratorios, presión arterial alta, neumonía y cáncer de vejiga. También sufría de síntomas similares a los de la demencia debido al uso de antidepresivos. [567] No había hecho apariciones públicas luego de un ataque cardíaco en febrero de 1997. [565] La esposa de Sinatra lo alentó a "luchar" mientras se intentaba estabilizarlo, e informó que sus últimas palabras fueron: "Estoy perdiendo". " [568] La hija de Sinatra, Tina, escribió más tarde que ella y sus hermanos (Frank Jr. y Nancy) no habían sido notificados de la hospitalización final de su padre, y creía que "la omisión fue deliberada. Barbara sería la viuda afligida solo al lado de su esposo ". [569] La noche después de la muerte de Sinatra, las luces del Empire State Building en la ciudad de Nueva York se volvieron azules, las del Strip de Las Vegas se atenuaron en su honor y los casinos dejaron de girar por un minuto. [566] [570]

El funeral de Sinatra se llevó a cabo en la Iglesia Católica Romana del Buen Pastor en Beverly Hills, California, el 20 de mayo de 1998, con la asistencia de 400 dolientes y miles de fanáticos afuera. [571] Gregory Peck, Tony Bennett y el hijo de Sinatra, Frank Jr., se dirigieron a los dolientes, que incluían a muchas personas notables del cine y el entretenimiento. [568] [571] Sinatra fue enterrada con un traje azul con recuerdos de miembros de la familia: salvavidas con sabor a cereza, Tootsie Rolls, una botella de Jack Daniel's, un paquete de cigarrillos Camel, un encendedor Zippo, juguetes de peluche, un perro galleta y un rollo de monedas de diez centavos que siempre llevaba, junto a sus padres en la sección B-8 del Desert Memorial Park en Cathedral City, California. [572]

Sus amigos cercanos Jilly Rizzo y Jimmy Van Heusen están enterrados cerca. Las palabras "Lo mejor está por venir", más "Amado esposo y padre" están impresas en la lápida de Sinatra. [573] Comunicó aumentos significativos en las ventas de registros en todo el mundo Cartelera en el mes de su muerte. [235]

Robert Christgau se refirió a Sinatra como "el cantante más grande del siglo XX". [3] Su popularidad solo es igualada por Bing Crosby, Elvis Presley, The Beatles y Michael Jackson. [565] Para Santopietro, Sinatra fue el "mejor cantante pop masculino en la historia de América", [574] que acumuló "un poder sin precedentes dentro y fuera de la pantalla", y "parecía ejemplificar al hombre común, un hombre estadounidense étnico del siglo XX". que llegó a la 'cima del montón', pero nunca olvidó sus raíces ". Santopietro sostiene que Sinatra creó su propio mundo, que pudo dominar; su carrera se centró en el poder, perfeccionando la capacidad de captar una audiencia. [575] Encyclopædia Britannica se refirió a Sinatra como "a menudo aclamado como el mejor cantante estadounidense de música popular del siglo XX. A través de su vida y su arte, trascendió el estatus de mero icono para convertirse en uno de los símbolos más reconocibles de la cultura estadounidense". " [576]

Gus Levene comentó que la fuerza de Sinatra era que cuando se trataba de letras, contar una historia musicalmente, Sinatra mostraba una habilidad y un sentimiento "genio", que con la "rara combinación de voz y talento para el espectáculo" lo convertían en el "cantante original" que otros que Seguido, la mayoría intentó emular. [577] George Roberts, un trombonista de la banda de Sinatra, comentó que Sinatra tenía un "carisma, o lo que sea que tenga, que nadie más tenía". [578] El biógrafo Arnold Shaw consideró que "si Las Vegas no hubiera existido, Sinatra podría haberlo inventado".Citó al reportero James Bacon al decir que Sinatra era la "imagen oscilante sobre la que se construye la ciudad", y agregó que ningún otro artista "encarnaba el glamour" asociado con Las Vegas como él. [140] Sinatra sigue siendo visto como uno de los íconos del siglo XX, [4] y tiene tres estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood por su trabajo en el cine y la música. Hay estrellas en los lados este y oeste de la cuadra 1600 de Vine Street respectivamente, y una en el lado sur de la cuadra 6500 de Hollywood Boulevard por su trabajo en televisión. [579]

En Nueva Jersey natal de Sinatra, el parque Frank Sinatra de Hoboken, la oficina de correos de Hoboken [580] y una residencia en la Universidad Estatal de Montclair fueron nombrados en su honor. [581] El alcalde Fred M. De Sapio le otorgó la Llave de la ciudad de Hoboken el 30 de octubre de 1947. [582] Otros edificios nombrados para Sinatra incluyen la Escuela de Artes Frank Sinatra en Astoria, Queens, el Frank Sinatra El Centro de Estudiantes Internacionales de la Universidad Hebrea de Israel en Jerusalén dedicado en 1978, [583] y el Frank Sinatra Hall en la Escuela de Artes Cinematográficas de la USC en Los Ángeles, California, dedicado en 2002. [584] El complejo Encore Las Vegas de Wynn Resorts cuenta con un restaurante dedicado a Sinatra que abrió en 2008. [585] Objetos de recuerdo de la vida y carrera de Sinatra se exhiben en el Frank Sinatra Hall de la USC y el restaurante Sinatra del Wynn Resort. [584] [585] Cerca de Las Vegas Strip hay una carretera llamada Frank Sinatra Drive en su honor. [586] El Servicio Postal de los Estados Unidos emitió un sello postal de 42 centavos en honor a Sinatra en mayo de 2008, en conmemoración del décimo aniversario de su muerte. [580] [587] El Congreso de los Estados Unidos aprobó una resolución presentada por la Representante Mary Bono Mack el 20 de mayo de 2008, designando el 13 de mayo como el Día de Frank Sinatra para honrar sus contribuciones a la cultura estadounidense. [588]

Sinatra recibió tres títulos honoríficos durante su vida. En mayo de 1976, fue invitado a hablar en la ceremonia de graduación de la Universidad de Nevada, Las Vegas (UNLV), celebrada en el estadio Sam Boyd. Fue en este comienzo cuando la universidad le otorgó un Doctorado Honoris Causa litterarum humanarum. [589] Durante su discurso, Sinatra afirmó que su educación había venido de "la escuela de los golpes duros" y que el premio lo conmovió adecuadamente. Continuó describiendo que "este es el primer título educativo que he tenido en mi mano. Nunca olvidaré lo que has hecho por mí hoy". [590] Unos años más tarde, en 1984 y 1985, Sinatra también recibió un Doctorado Honorario en Bellas Artes de la Universidad Loyola Marymount, así como un Doctorado Honorario en Ingeniería del Stevens Institute of Technology. [591] [592]

Sinatra ha sido retratada en numerosas ocasiones en cine y televisión. Una miniserie de televisión basada en la vida de Sinatra, titulada Sinatra, fue transmitida por CBS en 1992. La serie fue dirigida por James Steven Sadwith, quien ganó un premio Emmy por Logro individual sobresaliente en la dirección de una miniserie o un especial, y protagonizada por Philip Casnoff como Sinatra. Sinatra fue escrito por Abby Mann y Philip Mastrosimone, y producido por la hija de Sinatra, Tina. [593]

Posteriormente, Sinatra ha sido retratado en la pantalla por Ray Liotta (La manada de ratas, 1998), [594] James Russo (Robando a Sinatra, 2003), [595] Dennis Hopper (La noche que lo llamamos día, 2003), [596] y Robert Knepper (A mi manera, 2012), [597] y burlado por Joe Piscopo y Phil Hartman en Sábado noche en directo. [598] Hace tiempo que se planificó una película biográfica dirigida por Martin Scorsese. [599] Un episodio de 1998 de la serie documental de la BBC. Arena, La Voz del Siglo, centrado en Sinatra. [600] Alex Gibney dirigió una serie biográfica de cuatro partes sobre Sinatra, Todo o nada en absoluto, para HBO en 2015. [601] Un tributo musical se transmitió en la televisión CBS en diciembre de 2015 para conmemorar el centenario de Sinatra. [602] Sinatra también fue interpretada por Rico Simonini en el largometraje de 2018. Frank y amp Ava, que se basa en una obra de Willard Manus. [603] [604]

Sinatra estaba convencido de que Johnny Fontane, un cantante asociado a la mafia en la novela de Mario Puzo El Padrino (1969), se basó en su vida. Puzo escribió en 1972 que cuando el autor y el cantante se conocieron en Chasen's, Sinatra "empezó a gritar insultos", llamando a Puzo "proxeneta" y amenazando con violencia física. Francis Ford Coppola, director de la adaptación cinematográfica, dijo en el comentario de audio que "Obviamente, Johnny Fontane se inspiró en una especie de personaje de Frank Sinatra". [605]


Recepciones y cenas conmemoran el centenario del cumpleaños de Julia Child

Algunos de los más grandes admiradores de Julia Child se encuentran entre los miembros norteamericanos de Les Dames d'Escoffier International & ndash, una organización formada por mujeres líderes en las industrias de la alimentación y el vino. Se formó en la década de 1970 en respuesta a la asociación masculina de gastronomía fina Les Amis d & rsquoEscoffier Society. En ese momento, dicen Les Dames d'Escoffier, "no había mujeres chefs o sommeliers prominentes, pocas restauradoras y no se permitía a las mujeres como meseras en los establecimientos de alta cocina".

No es sorprendente que la figura más grande que la vida de Julia Child, que había comenzado su carrera televisiva en 1962, fuera una fuente de inspiración. No solo le encantaba cocinar y comer y comer, sino que también le encantaba beber vino. Una parodia de "Saturday Night Live" en los años 70 presentaba a Dan Aykroyd como una chef borracha que se desmembraba a sí misma con sus propios utensilios. Child era, por supuesto, la chef siendo ensartada.

El esposo de Child, Paul, dijo que en la televisión, el vaso que se veía sosteniendo a Julia a menudo contenía agua teñida con extracto de carne, en lugar de vino. Fue él quien la introdujo en las delicias de la comida y el vino franceses. Dijo Julia: "Nunca había comido así antes. No sabía que existía tal comida. Nunca había bebido un buen vino antes, y no sabía nada al respecto. Fue simplemente una experiencia de vida completamente nueva".

En honor al centenario de su nacimiento el 15 de agosto, Les Dames d'Escoffier están celebrando una serie de eventos especiales. En Atlanta, Georgia, la sobrina de Child, Phila Cousins, y Michel Escoffier, bisnieto del maestro chef francés Auguste Escoffier, asistirán a un cóctel de temática francesa. En Austin, Texas, los invitados a una cena compartida se disfrazarán de niños (los collares de perlas no son obligatorios). En Phoenix, Arizona, un cóctel de recepción será seguido por una cena de cuatro platos con recetas del libro de cocina Child & rsquos 1961, "Dominando el arte de la cocina francesa". El libro finalmente alcanzó la cima de las listas de best-sellers en 2009, casi 48 años después de su publicación, gracias a la película "Julie y Julia", dirigida por la fallecida Nora Ephron. Actualmente es la opción de cocina Kindle mejor calificada de Amazon.

La restauradora Amy Binkley, quien seleccionó los vinos para la cena de Phoenix, dice que la razón para celebrar el cumpleaños número 100 de Child es simple: "Ella es la mayor influencia femenina en el mundo culinario moderno".

  • Verduras y agrave la Grecque, mousse de hígado de pollo, terrina de cerdo, gambas en áspic
  • Pollo fricass & eacutee & agrave l & rsquoAncienne, con ratatouille, tomates & agrave la Proven & ccedilale, gratin Dauphinois
  • Ensalada y Queso
  • Pastel de cumpleaños

Cuando un escritor del New York Times, Frank J. Prial, se reunió con Julia y Paul Child para cenar en su casa en Cambridge, Massachusetts, en 1975, informó: "Les encanta el vino, beben mucho. Pero no van a déjate llevar por la mística del vino ".

Los Childs y su invitado comieron un quiche, acompañados por un Niersteiner Domtal & ndash de 1971, "uno de los favoritos de Paul Child, que conoció los vinos alemanes mientras estuvo allí durante sus días en el Departamento de Estado". A esto le siguió un C & ocircte-R & ocirctie de 1967, servido con filete de ternera con salsa Madeira, alcachofas salteadas y cortadas foresti & egravere, y ensalada de aguacate.

Prial dijo que Paul Child tenía un método inusual para realizar un seguimiento de sus vinos. En lugar de llevar un libro de bodega, "usa un tablero de composición grande de aproximadamente 2 pies por 2 pies. Cada vino que posee se enumera en el tablero, con el número de botellas marcado al lado, de esta manera: 'Ch & acircteau Inconnu' 1959: 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10. ' A medida que se consume cada botella, borra un número. De esta forma, siempre es capaz de saber de un vistazo exactamente qué vinos quedan en la bodega y el número de botellas de cada uno ".

En 2000, Julia Child recibió el más alto honor de Francia, la Legión de Honor, en reconocimiento a su papel en la popularización de la cocina francesa en Estados Unidos. Murió en 2004, dos días antes de cumplir 92 años. Paul Child había fallecido antes que ella en 1994.


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Dirígete a las colinas

Fue una bastardización del estilo. Pero el chardonnay era fácil de cultivar y se manipulaba fácilmente en la elaboración del vino. Si bien este estilo rico y alcohólico convirtió a muchos bebedores primerizos en el vino, la gente finalmente se cansó de él. Las bodegas empezaron a comprender que el chardonnay debía plantarse en las condiciones adecuadas para que fuera excelente.

En una entrevista que hice hace unos años con el enólogo Paul Pender de la bodega Tawes de Niagara, que elabora algunos de los mejores chardonnay de la región, me dijo: “El chardonnay puede ser una uva bastante aburrida a menos que se cultive en los lugares adecuados. No tiene tanta personalidad por sí solo, como el riesling, por ejemplo. Es sutil y obtiene su carácter del terruño, y si no lo tienes, lo obtiene de la elaboración del vino ".


Muere el escritor de vinos del New York Times, Frank Prial, a los 82 años - Recetas

Experiencia culinaria virtual en vivo Taste of Fame 21 de mayo en Zoom

  1. El viaje culinario virtual incluye un cóctel de preguntas y respuestas de 30 minutos moderado por la chef Julia Collin Davison de Cocina de prueba de Estados Unidos, donde la chef Lidia creará una de sus bebidas favoritas, Fragoncello, y responderá preguntas, un kit de comida Sunbasket entregado en su hogar para hasta cuatro personas, lección de cocina en vivo paso a paso con la chef Lidia en Zoom, acceso de dos semanas a la lección de cocina grabada, salas de Zoom privadas para comer con amigos en otros hogares y acceso ilimitado digital durante un mes a Cocina de prueba de Estados Unidos sitio web.


  1. Disfrute de todos los beneficios de un boleto para la cena, además de una copia autografiada del libro de cocina "Felidia: Recetas de mi restaurante insignia" de la chef Lidia.


Experiencia de cena culinaria en persona Taste of Fame el 15 de octubre en el Marriott Syracuse Downtown

  1. El Dinner Ticket incluye una cena culinaria de tres platos con recetas elaboradas por Lidia e historias para acompañar cada plato. Se incluye el mejor vino de Finger Lakes. Los huéspedes también disfrutarán de una hora de cóctel, una subasta silenciosa y acceso ilimitado digital durante un mes a Cocina de prueba de Estados Unidos sitio web.


  1. Disfrute de todos los beneficios de un boleto para la cena, además de un encuentro y una sesión de fotos con Lidia, un evento de demostración de cocina en el estudio y una copia autografiada de "Lidia's Celebre como un italiano" de la chef Lidia. & # 8221 Chef Julia Collin Davison de America's Test Kitchen será el maestro de ceremonias del evento de demostración de cocina y la cena de tres platos.


  1. El boleto para la cena de la Mesa de 10 incluye 10 boletos para la cena con una mesa reservada, un viaje de cena culinaria de tres platos con recetas elaboradas por Lidia e historias para acompañar cada plato. Se incluye el mejor vino de Finger Lakes. Los invitados también disfrutarán de una hora de cóctel, una subasta silenciosa y un mes de acceso completo digital GRATUITO a Cocina de prueba de Estados Unidos sitio web.


  1. El boleto VIP de la Mesa de 10 incluye 10 boletos VIP con una mesa reservada, todos los beneficios de un boleto de cena, además de un encuentro y una sesión de fotos con Lidia, un evento de demostración de cocina en el estudio y una copia autografiada de Chef Lidia's " Lidia's Celebre como un italiano. & # 8221 La chef Julia Collin Davison de America's Test Kitchen será la presentadora del evento de demostración de cocina y la cena de tres platos.


Taste of Fame: The Ultimate Lidia Experience, evento virtual + evento en persona

  1. The Ultimate Lidia Experience requiere la compra de 1 o más entradas para el evento culinario virtual Taste of Fame 21 de mayo en Zoom, MÁS 1 o más entradas para la experiencia de la cena culinaria Taste of Fame 15 de octubre en el Syracuse Marriott Downtown, para recibir 20% de descuento AHORA-23 de abril.

¡Únase a su estación local de PBS para un viaje culinario virtual en el evento virtual en vivo Taste of Fame el 21 de mayo en Zoom!

Nombre de la estación Sitio web Logo
WCTE Central TN PBS www.wcte.org
Radiodifusión pública de Mississippi http://www.mpbonline.org/
Vegas PBS www.vegaspbs.org
Medios públicos de WGCU www.wgcu.org
Fundación Iowa PBS http://www.iowapbs.org/
PBS Reno www.pbsreno.org
PBS Wisconsin pbswisconsin.org
WYES-TV www.wyes.org
KERA www.kera.org
WyomingPBS http://www.wyomingpbs.org
WBGU-TV http://www.wbgu.org
New Hampshire PBS www.nhpbs.org
Vermont PBS www.vermontpbs.org
Medios públicos de WMHT http://www.wmht.org
Televisión pública de Maryland www.mpt.org
WEDU http://www.wedu.org
Televisión pública de Milwaukee www.milwaukeepbs.org
Medios públicos de WQLN http://www.wqln.org
WKNO / Canal 10 www.wkno.org/
Multimedia WQED http://www.wqed.org/
PBS del sur de Oregon www.sopbs.org
WPBS http://www.wpbstv.org
Radiodifusión pública WXXI https://www.wxxi.org/
Medios públicos de la WOSU https://wosu.org/
Thirteen / WNET Nueva York https://www.thirteen.org/
KEET-TV www.keet.org
WQPT-TV wqpt.org
PBS Kansas www.kpts.org
Medios públicos de WVIA https://www.wvia.org/
KRVS www.krvs.org

Evento virtual en vivo Taste of Fame 21 de mayo en Zoom

Taste of Fame: evento culinario virtual en vivo con la chef Lidia Bastianich

FECHA: Viernes 21 de mayo de 2021

6: 30-7 p.m. Cócteles, 7 p.m. Cena | ET

3: 30-4 p.m. Cócteles, 4 p.m. Cena | PT

La recaudación de fondos culinaria virtual de WCNY, Taste of Fame, regresa a las cocinas de los hogares en todo el país. Únase a la galardonada chef, autora y presentadora de Lidia’s Kitchen (APT, WGBH), Lidia Bastianich, para una lección de cocina EN VIVO en Zoom. Nos encargaremos del menú, los ingredientes y la tecnología para hacer de esta una velada especial e inolvidable, todo desde la comodidad y seguridad de su hogar.

El viaje culinario virtual comienza con una sesión de preguntas y respuestas sobre cócteles de 30 minutos donde la chef Lidia le muestra cómo agitar uno de sus cócteles favoritos, Fragoncello, y preguntas y respuestas moderadas por la chef Julia Collin Davison de Cocina de prueba de Estados Unidos. Luego, la chef Lidia guiará a los invitados a través de una lección de cocina en vivo sobre cómo preparar su deliciosa receta de risotto de espárragos de primavera.

Nuestro socio culinario, Sunbasket, entregará un kit de comida de ingredientes en su hogar para hasta cuatro personas. El boleto para la cena también incluye acceso de dos semanas a la lección de cocina grabada y una sala de zoom privada para comer con amigos en otros hogares.

Cuando se actualice al Boleto Premium, recibirá todos los beneficios del Boleto para la cena, así como una copia autografiada del libro de cocina "Felidia: Recetas de mi restaurante insignia" de la chef Lidia.

WCNY también espera traer a Lidia a Syracuse el 15 de octubre para su experiencia culinaria tradicional Taste of Fame en el Marriott Downtown Syracuse. Este evento depende del estado de las pautas y restricciones para la pandemia de Covid-19.

¡Esperamos que se una a nosotros en uno o ambos de estos eventos! Habrá descuentos especiales para la compra de un boleto virtual el 21 de mayo y Taste of Fame el 15 de octubre en el Marriott Downtown Syracuse.

¡Vea cómo fue el evento el año pasado con el Chef Marcus!

Séptima experiencia de cena culinaria anual Taste of Fame de WCNY el 15 de octubre en Syracuse

FECHA: Viernes, 15 de octubre de 2021

HORA: 6-7 p.m. Hora de cóctel y subasta silenciosa de amplificador, 7 p.m. Cena | ET

UBICACIÓN: Marriott Syracuse Downtown

¡La séptima cena culinaria anual de recaudación de fondos de Taste of Fame de WCNY regresa a CNY! Únase al galardonado chef famoso, autor y anfitrión de Cocina de Lidia (APT, WGBH), Chef Lidia Bastianich en el Marriott Syracuse Downtown. Disfrute de una cena culinaria de tres platos con recetas inspiradas en el nuevo libro de cocina de Lidia, "Lidia's: A Pot, A Pan, and a Bowl", e historias para acompañar cada plato. La cena de tres platos comenzará con una ensalada de calabaza asada y zanahoria, como plato principal a elegir entre: costillas de ternera estofadas con cerveza, pizzaiola de pollo o frittata de espinacas y ricotta, y un crumble de manzana y arándano como postre. Lo mejor en vino de Finger Lakes, hora de cóctel, subasta silenciosa y acceso ilimitado digital durante un mes a Cocina de prueba de Estados Unidos El sitio web está incluido.

Los titulares de boletos VIP están invitados a asistir a un evento de demostración de cocina / encuentro en WCNY TV Studios a las 4 p.m., antes de la cena de tres platos en el Marriott. El evento VIP incluye un encuentro y una sesión de fotos con Lidia, demostración de cocina en el estudio y una copia autografiada de "Lidia's Celebrate like a Italian" de la chef Lidia. & # 8221 Chef Julia Collin Davison de Cocina de prueba de Estados Unidos será el maestro de ceremonias del evento de demostración de cocina y la cena de tres platos.


WCNY se complace en trabajar con Sunbasket, quien entregará kits de comida a los hogares, para que los invitados puedan cocinar junto con Lidia, quien participará desde la cocina de su casa en Boston. El kit de comida Sunbasket incluye:

Aperitivo:

Refrigerio después de la cena:

Evento en persona Taste of Fame 15 de octubre

Ensalada De Zanahoria Y Calabaza Asada

Corazones de escarola, calabaza bellota asada, garbanzos y zanahorias,
Cubierto con Ricotta Salata y Almendras Tostadas,
Rociado con vinagreta balsámica

Entrada Elección de:

Costillas de ternera a la cerveza

Costillas de res con hueso, estofadas en una cerveza oscura con zanahorias, cebolla,
Papas rojas, Pestata y hierbas frescas

Pizzaiola de pollo

Pechuga de pollo ligeramente empanizada y horneada, grana padano recién rallado, orégano seco, albahaca y perejil frescos y mozzarella,
Servido sobre una Emulsión de Tomate.

Frittata de espinacas y ricotta

Frittata al horno con espinacas frescas, queso ricotta y pan

Crumble de Manzana y Arándano

Manzanas Golden Delicious, Arándanos Frescos, Azúcar Granulada,
y almendras picadas, servidas con helado de vainilla

Lidia Bastianich

Lidia es una presentadora de televisión pública ganadora del premio Emmy, una autora de libros de cocina más vendidos con una docena de libros publicados hasta la fecha, una restauradora exitosa y propietaria de un floreciente negocio de alimentos y entretenimiento Lo más importante es que Lidia ha logrado todo esto al casarse con sus dos pasiones en la vida, su familia y la comida, para crear múltiples esfuerzos culinarios junto a sus dos hijos, Joseph y Tanya.

Los libros de cocina de Lidia, escritos en coautoría con su hija Tanya, incluyen Celebrate Like an Italian de Lidia, Dominando el arte de la cocina italiana de Lidia, Cocina italiana con sentido común de Lidia, Recetas favoritas de Lidia, Lidia's Italy in America, Lidia Cooks from the Heart of Italy y Lidia's Italia, todos los libros que acompañan a la serie de televisión ganadora del Emmy y cuatro veces nominada Lidia's Kitchen, Lidia's Italy in America y Lidia's Italy.Los libros más recientes de Lidia son sus memorias, My American Dream A Life of Love, Family, and Food, y su recién estrenado libro de cocina, Recetas Felidia de My Flagship Restaurant.

Lidia es propietaria / copropietaria de tres aclamados restaurantes de la ciudad de Nueva York, Felidia Becco y Del Posto. Junto con su hija Tanya, es dueña de Lidia's Kansas City, así como Felidia. También es socia en Eataly NYC, Chicago, Boston, Los Ángeles, Las Vegas, Sao Paolo, Brasil y Toronto, Canadá Junto con Tanya y su yerno Corrado, Lidia también ha desarrollado una línea de artesanías
pastas y salsas totalmente naturales, LIDIA'S, que se venden en tiendas de alimentos finos en todo el país.

Lidia es miembro de Les Dames D'Escoffier y miembro fundadora de Women Chefs and Restaurateurs, dos organizaciones sin fines de lucro de mujeres líderes en las industrias alimentaria y hotelera.También es defensora de Adopt de la Asociación de las Naciones Unidas de los Estados Unidos de América. Un programa futuro, en apoyo de la educación de los refugiados.

Entre los numerosos premios y reconocimientos que ha ganado Lidia se encuentran siete premios James Beard (chef destacado, programa de televisión de alimentos, mejores chefs de Estados Unidos, Quién es quién de alimentos y bebidas en Estados Unidos, especiales de 2016, especiales de 2017 y 2018 y dos premios Emmy por presentador culinario destacado de 2013). y 2018.

Fragoncello

En Istria, recuerdo, mi abuela siempre infundía nuestra grappa casera con hierbas y la fruta fresca de temporada, como cerezas, moras o fresas. Este cóctel fue uno de los favoritos en Felidia hace varios años, la dulzura de las fresas y el almíbar simple crea una bebida refrescante para fines de la primavera y los meses de verano. Prefiero los cócteles que no sean demasiado dulces. Esta receta se multiplica fácilmente para un grupo.

1 taza de azucar
1 ½ tazas de fresas muy maduras picadas, más 1 fresa, finamente picada, para decorar
2 onzas de vodka
1 cucharada de jugo de limón recién exprimido
Ramitas de menta

Combine el azúcar con 1 taza de agua en una cacerola pequeña y cocine a fuego lento para disolver el azúcar. Agregue las fresas y cocine a fuego lento hasta que estén muy suaves y el almíbar sea de color rojo brillante, aproximadamente 10 minutos. Deje reposar 15 minutos. El jarabe de azúcar se conserva bien en el refrigerador para la próxima fiesta.

Colar a través de un colador de malla fina sin presionar los sólidos. (Puede mantener los sólidos de fresa cocidos para mezclarlos con yogur natural o encima del helado). Deje enfriar hasta que esté frío, al menos 1 hora.

Enfríe una copa de martini. Llena un batido de cóctel con hielo. Agrega 1 ½ onzas de almíbar de fresa, así como el vodka y el jugo de lima. Sacudir. Cuele en el vaso frío, agregue la fresa finamente picada y sirva inmediatamente. Puede alternar algunas fresas frescas y ramitas de menta en un agitador o un palillo de dientes para una guarnición adicional.

Crédito: Felidia: Recetas de My Flagship Restaurant (Alfred A. Knop, 2019)

Esquema de maridaje de vinos

Primer Curso
Dip de alcachofas y espinacas y pita

Prosecco italiano & # 8211 Venezia
Chardonnay sin curtir - Chablis francés o Piamonte Italia & # 8211 Angelo Gaja de Barbaresco
Sauvignon Blanc & # 8211 Piamonte o Venecia, Italia & # 8211 Valle del Loira, Francia
Sauvignon Blanc y # 8211 Marlboro, Nueva Zelanda, noroeste del Pacífico o Finger Lakes de Nueva York

Segundo curso
Risotto de espárragos con pollo, camarones o tofu

Pinot Grigio italiano & # 8211 Trentino, Alto Adige, Veneto, Friuli, Giulia y Venezia
Cortese & # 8211 Gavi di Gavi de Allessandria, Piamonte Italia
Verdicchio & # 8211 Fazi Battaglia de Marche en Italia central
Gruner Veltliner & # 8211 Lombardi, Italia & # 8211 Austria & # 8211 Dr. Frank de Finger Lakes, NY

Sangiovese Rosato -Toscana, Italia
Cerasuolo Rosato & # 8211 Montepulciano uva & # 8211 Abruzzo, Italia
Dolcetto Rosato & # 8211 Piamonte, Italia
Beaujolais Rose & # 8211 Beaujolais, Francia

Cru Beaujolais & # 8211 Brouilly, Beaujolais, Francia

Tercer plato
Chocolate negro

Espumoso italiano Rosa Regale & # 8211 Brachetto uva & # 8211 Acqui, Piamonte
Puerto Ruby y # 8211 Valle del Duero, Portugal

Terry Robards se interesó por primera vez en el vino a principios de la década de 1960, cuando los cócteles estaban de moda. Su objetivo era encontrar una bebida agradable con menos contenido de alcohol que los destilados. Comenzó a probar y comparar vinos de Beaujolais mientras estudiaba los libros de los escritores de vinos pioneros franceses Andre 'Simon y Alexis Lichine.

Finalmente, Terry probó los vinos importantes del mundo con libros en la mano. En ese momento trabajaba como periodista para el NY Herald Tribune, luego, cuando el Herald Tribune se cerró en 1966, trabajó en la revista Fortune como columnista mensual. Sin embargo, Robards se dio cuenta de que extrañaba la acción asociada con la información diaria, por lo que en 1967 se unió al personal del NY Times como reportero financiero. También escribió un artículo ocasional sobre vinos para la revista Times, así como para la sección Wednesday Ladies del periódico.

A principios de la década de 1970, Robards golpeó las ondas de aire de Nueva York con un programa de radio nocturno de cinco minutos en WQXR & # 8211 que se llamaba The Topic Is Wine. Luego, alrededor de 1972, a Terry se le ocurrió la idea de escribir el NY Times Book of Wine & # 8211, una especie de libro que acompaña al NY Times Cook Book de Craig Claiborne. A Quadrangle Book Publishers le encantó la idea y le ofrecieron un contrato de publicación.

En 1973, Terry empacó a su familia y se trasladaron a Londres, donde trabajó como corresponsal extranjero. Mientras estuvo allí, pudo pasar un tiempo investigando en los viñedos y bodegas de Europa. Adquirió conocimientos de primera mano que demostraron ser la base de su libro e hizo amigos de toda la vida en las industrias del vino de Francia, Italia y Alemania.

Al regresar a los Estados Unidos en 1975, Terry reanudó su trabajo en la oficina financiera del NY Times. Mientras estaba en el extranjero, el Times había comenzado una columna de vinos con el escritor Frank Prial como columnista. Pero, después de la publicación del New York Times Book of Wine en 1976, el periódico se dio cuenta de que su escritor de vinos más conocido era Terry Robards. Finalmente, Frank Prial fue transferido a la oficina de París y Terry asumió el cargo de crítico de vinos, aprovechando su experiencia personal en la región vinícola europea para educar a sus seguidores.

En 1983, Terry Robards dejó el NY Times y se unió al NY Post, que le dio una cuenta de gastos de carta blanca para viajar. También pudo trabajar como autónomo para publicaciones como Bon Appetit, Wine Spectator y más. En 1984, el segundo trabajo importante de Terry fue publicado por Terry Robards 'New Book of Wine: The Ultimate Guide to Wines of the World.

Con un éxito periodístico bien establecido, Terry Robards decidió mudarse de Bronxville, NY a Lake Placid, una ciudad turística de Adirondack Mountain famosa por albergar los Juegos Olímpicos de Invierno de 1932 y 1980. Fue allí donde abrió Terry Robards Wines and Spirits en Main Street, en el verano de 1988. Después de que se estableció el nuevo negocio, reanudó los viajes y la redacción independiente, además de publicar su propia carta de noticias & # 8211 The Robards Report & amp Wine. Viajero.

En 1994, a Robards se le ofreció el puesto de redactor jefe senior y columnista de la revista Wine Enthusiast. Fue un desafío que no pudo resistir, así que aceptó el trabajo y se trasladó a Bronxville, NY durante cuatro días a la semana y de regreso a Lake Placid para trabajar en su taller durante los fines de semana.

En 2004, Terry conoció a su esposa Julie, una periodista y autora con especialidad en antigüedades. Al año siguiente intercambiaron votos en la bodega del siglo XIV de Remossenet Pere et Fils en Beaune, Borgoña. Mientras estaban allí asistieron a un chapitres con amigos cercanos en Clos de Vougeot & # 8211 hogar de la famosa Sociedad del Vino de Borgoña & # 8211 Confrerie des Chevaliers du Tastevin. En 2007, Julie fue incluida en el Capítulo de Chevalier du Tastevin Albany y Terry recibió el título de Gran Oficial Honorario, como el miembro más antiguo de los Estados Unidos.

A lo largo de los años, Terry Robards ha sido juez del Concurso Internacional de Vinos Concours de Mondial. Es miembro fundador de L'ordine Della Vita Italian Wine Society y miembro de numerosas organizaciones, como la Commanderie de Bordeaux, Compagnons de Beaujolais y la Food and Wine Society de Nueva York, por nombrar algunas.

En 2011, el hijastro de Terry, Timothy Robinson (un barman profesional) se hizo cargo de las operaciones diarias de la tienda. Su conocimiento de los destilados y su entusiasmo por los seminarios educativos y degustaciones sobre el tema, han servido para equilibrar el enfoque enológico de la tienda.

Además, las habilidades de Tim en redes sociales y su experiencia en marketing han ayudado a hacer crecer el negocio hasta convertirlo en lo que es hoy. Terry Robards Wines and Spirits ofrece la mejor selección de vinos finos y licores raros al norte de la ciudad de Nueva York.

En 2012, Terry Robard fue incluido en el Salón de la Fama de los escritores de vinos de Wine Media Guild. Poco después, se retiró oficialmente de las operaciones diarias en la tienda de vinos, pero aún continúa participando en eventos educativos de cata de vinos.

En 2014, Julie Robards inició un programa educativo de vinos llamado The Basics of Wine. El curso certificado de diez semanas cubre todo, desde la historia de las técnicas de elaboración del vino hasta la degustación y el aprendizaje de los vinos más populares de la actualidad.

Terry Robards Wines and Spirits, ahora en su 33º año de funcionamiento, se puede encontrar en www.trwslpny.com y también en Facebook e Instagram. La tienda está ubicada en 2047 Saranac Avenue, Lake Placid, NY.

La salsa de espinacas y alcachofas con pita tradicional y las simples barras de chocolate negro son cortesía de Sunbasket para disfrutar esa noche o en otro momento.

A los italianos les encanta servir un buffet de antipasto para comenzar cualquier reunión, ya sea grande o pequeña. Para un plato de cocción lenta como el risotto, un plato de antipasto italiano es un comienzo perfecto, ya que puede prepararlo con anticipación.

En casa, uso mi isla para hacer mi antipasto para untar y siempre incluyo muchas verduras en escabeche, como champiñones, alcachofas, giardiniera, una variedad de salumi italiano y una selección de quesos italianos importados. También me gusta incluir una selección de palitos de pan, panes rústicos, un poco de miel y cerezas silvestres para rociar sobre los quesos.

Antes de Taste of Fame

Preguntas generales sobre Taste of Fame: [email protected] o (315) 925-1443.





Fotos

Chef Marcus cocina en Taste of Fame

Jeff Scheer, presidente de la Junta de Fideicomisarios de WCNY y copresidente de Taste of Fame disfrutando del evento con su esposa, Abby,

e hijas, Sophie, Rachel y Rose.

De izquierda a derecha: Bonnie Jones, Gail Meagher, Charleen Stehle y Mary Pat Oliker.

Desde la izquierda: Bill Porter, Don Stehle y Walter Meagher disfrutan de Taste of Fame.

La familia Schimpff disfrutando del evento.

En las noticias

Podcast de NewsChannel 570 WSYR

Syracuse.com

Buen provecho

Revista Arizona Foothills

Revista de comida de Austin

Broadwayworld.com

Revista de alimentos y bebidas

Minutos del chef

Julia Collin Davison

Julia Collin Davison es directora editorial ejecutiva de Cocina de prueba de Estados Unidos. Ella también es anfitriona de Cocina de prueba de Estados Unidos y País de Cook y es miembro del elenco original de ambos programas, que son dos de los programas de cocina instructivos mejor calificados en la televisión.

Julia comenzó a trabajar como cocinera de prueba para Cook's Illustrated en 1999 y lideró el desarrollo de recetas para los libros de cocina America's Test Kitchen durante más de una década.

Julia es una invitada habitual en El Show del Dr. Oz, Hallmark Channel Hogar y familia ampy QVC y ha aparecido en Amigos de Fox & amp y Hoy dia.

Se graduó del Culinary Institute of America en 1996, recibió un premio Augie del Culinary Institute of America y fue incluida en la prestigiosa Disciples d & # 8217Escoffier Culinary Society en 2018. Es nativa de Rochester, NY.


Ali Khan

Ali Khan es un presentador de televisión y escritor / bloguero / influenciador de comida que comparte su amor por la comida a través de múltiples plataformas digitales. Su serie destacada, Cheap Eats se emitió durante 5 temporadas en Cooking Channel. Es un habitual de The Best Thing I Ever Ate, un juez de Chopped + Chopped Junior de Food Network y fue el anfitrión de la cuarta temporada del Spring Baking Championship, también en Food Network.

Su escritura de comida ha aparecido en Black Book Magazine, Urban Daddy, el ganador de James Beard LA TACO, You Gotta Eat This, además de ser autor de su propio blog de comida, Bang for your Burger Buck. Su serie de vlogs, "blackbookali", fue parte del lanzamiento de contenido inicial de Tastemade.

Al ser hijo de inmigrantes del sur de Asia, Ali aprendió desde el principio que la comida exótica para algunos es comida reconfortante para otros. Él acredita su crianza en el centro de Estados Unidos con padres literalmente del otro lado del mundo con su comprensión íntima de la comida y las culturas alimentarias.

Además de escribir comida, Ali es un intérprete nato formado en Artes Teatrales en la Universidad Carnegie Mellon y la Universidad del Sur de California, donde obtuvo su B.A. en Estudios de Teatro. Su pasión por el desempeño y todo lo epicúreo lo llevó finalmente a Food Network, donde sus primeras apariciones incluyen Grill It con Bobby Flay y The Best Thing I Ever Made. Los créditos de productor incluyen $ 24 en 24 de Food Network, Thanksgiving Live y ayudó a desarrollar proyectos para Jeff Mauro, Alton Brown y Simon Majumdar.

En 2015, Ali estrenó su propio programa, Cheap Eats, en Cooking Channel. Armado con un presupuesto de solo $ 35, Ali realiza un recorrido culinario por los Estados Unidos con un presupuesto que casi cualquiera puede pagar. Cheap Eats se emitió durante 5 temporadas en 40 estados y 59 ciudades en la misma cantidad de episodios.

En 2018, Ali se unió al Spring Baking Championship de Food Network como anfitrión de la cuarta temporada. Ali ha hecho numerosas apariciones en Chopped and Chopped Junior de Food Network, Best Thing I Ever Ate.

En 2020, Ali lanzó Good Sauce, un canal de YouTube dedicado a sus dos amores: la comida y la comedia. La primera serie, Ali vs The Dome lanza nuevos episodios todos los jueves.

Actualmente reside en Austin TX.


Brad Miller

El amor por la cocina de Brad le fue inculcado desde muy joven. Al crecer en un suburbio de Chicago, Brad pasó gran parte de su infancia cocinando junto a su abuela y echando una mano en la carnicería de su padre. Decidido a transformar esta pasión en su carrera, Miller se inscribió en el programa Cordon Bleu del Scottsdale Culinary Institute. Al graduarse, trabajó para Latilla de 5 estrellas de Arizona en Boulders y Wright de 4 estrellas en Arizona Biltmore, antes de dirigirse a Patina, galardonada con una estrella Michelin, en Los Ángeles. A partir de ahí, se convirtió en chef ejecutivo del restaurante más romántico de Los Ángeles, Inn of the Seventh Ray. Allí, recibió elogios de muchos medios, incluida la principal crítica gastronómica de Los Angeles Times, S. Irene Virbila.

Brad es actualmente el chef y copropietario del restaurante Inn of the Seventh Ray, chef corporativo y creador de tendencias de Five Star Senior Living, una de las empresas de jubilación más prestigiosas del país. También es el propietario de Brown Butter Productions, una empresa de producción de contenido y catering.

Brad es una personalidad televisiva muy solicitada, que aparece en canales como VH1, NBC, FOX, Food Network, Cooking Channel, PBS, AWE, VICE, Travel Channel, Tasted Channel y The Hallmark Channel. Vea a Brad en su propio programa "Food Truck Nation", que actualmente está transmitiendo su segunda temporada en The Cooking Channel. También puede encontrar a Brad en "Best Thing I Ever Ate", que se emite actualmente en Food Network.


Laura Theodore

Laura Theodore es una personalidad de televisión reconocida a nivel nacional, presentadora de radio de podcasts, chef vegano célebre de PBS, cantante de jazz de renombre y autora galardonada de cinco libros de cocina basados ​​en plantas.

Laura es co-creadora de la exitosa Vegetariano Jazzy serie de cocina en la televisión pública nacional y es conductora del Podcast vegetariano de jazz en Unity Online Radio.

Laura es autora de cinco libros de cocina, que incluyen Deliciosamente vegano de Jazzy Vegetarian, que ganó medallas de plata en el Premios IBPA Benjamin Franklin 2018, Premios del Libro del Medio Oeste y el Premios del libro Living Now 2019. Su nuevo libro de cocina, Vegano para todos 160 recetas para toda la familia con un delicioso toque moderno fue lanzado recientemente por Scribe Publishing Company. Laura y Vegetariano Jazzy son destinatarios de la Premio al sabor por Mejor programa de televisión sobre salud y estado físico (alimentación y dieta), y Vegetariano Jazzy fue incluido en el Salón de la fama del sabor.

Laura ha sido portada de tres prestigiosas revistas Vegano americano, Jazzin ', y La Fashionista Compassionista. Ella ha hecho apariciones especiales en La conversación en CBS, Insider / Entertainment Tonight y el WCBS News Radio Informe de salud y bienestar. Laura ha aparecido en el New York Times, Noticias diarias de Nueva York, Madre Tierra Viva, VegNews, Círculo familiar, Resumen de lectores y PBS Food, entre otras revistas de noticias, comida, música y estilo de vida muy respetadas.

Como cantante y compositora de jazz galardonada a nivel mundial, Laura ha grabado seis CD en solitario, incluido su disco galardonado, "Tonight & # 8217s the Night", que recibió un Premio Revista Músico. Su lanzamiento en CD con el difunto y gran Joe Beck titulado & # 8220Golden Pendientes & # 8221 (en el Sonido de la ciudad ballenera etiqueta) estaba en la lista GRAMMY® en la categoría de "Mejor álbum vocal de jazz". Laura ha realizado giras por todo el país, actuando en numerosos eventos importantes, como como Noche de 100 estrellas, fuego y bola de hielo, y Los premios del cine americano.

En el lado de la actuación, Laura ha aparecido en más de sesenta obras de teatro y musicales, incluido Off-Broadway durante dos años en el exitoso programa & # 8220Beehive, & # 8221 que le valió un codiciado Premio Backstage Bistro. Ella fue honrada con el Premio del Círculo de Críticos de Drama de Denver como "Mejor actriz en un musical", por su papel protagónico de Janis Joplin en la primera producción mundial de "Love, Janis".

Con su amor por la buena comida, compasión por los animales y entusiasmo por la buena música, personalidad polifacética, Laura Theodore verdaderamente es los Vegetariano Jazzy. Obtenga más información sobre Laura y Jazzy Vegetarian en: www.jazzyvegetarian.com


Joanne Weir

Joanne Weir, cocinera profesional de cuarta generación, pasó cinco años cocinando en Chez Panisse después de recibir un Diploma de Master Chef con Madeleine Kamman. Joanne viaja e imparte clases de cocina por todo el mundo, incluidos Italia, España, Francia, Grecia, Marruecos, Australia y Nueva Zelanda. También enseña en eventos en los Estados Unidos y en la cocina de su estudio de San Francisco. Joanne es copropietaria de Copita, un galardonado restaurante mexicano moderno y tequileria en Sausalito, California.

Joanne es una autora de libros de cocina galardonada con el premio James Beard y ha escrito 17 libros de cocina, incluidas sus memorias gastronómicas más recientes, Kitchen Gypsy: Stories and Recipes from a Lifetime Romance with Food, publicado en septiembre de 2015. Joanne escribe para varias publicaciones nacionales, incluida Sunset Magazine, Cooking Light, Better Homes and Gardens, Fine Cooking y Food & amp Wine.

Joanne también es presentadora y productora ejecutiva de varias series de televisión galardonadas. Su último programa, "Joanne Weir's Plates & amp Places", obtuvo nominaciones para varios premios Taste y fue elegida como la "Mejor serie nueva" en 2018. Filmado en locaciones de todo el mundo, cada episodio ofrece a los espectadores un viaje virtual a varias de las obras de Joanne. destinos culinarios. La serie se encuentra actualmente en su tercera temporada y se transmite en todo el país tanto en Public Television como en Create en más del 94% de los hogares de EE. UU.

Methin "Max" Chuthinthranond

Methin "Max" Chuthinthranond y su esposa Pook son los fundadores, propietarios y operadores del galardonado Lemon Grass & amp Bistro Elephant Steakhouse ubicado en Armory Square, Syracuse durante más de 20 años. También operan la ubicación hermana, Citronelle, un restaurante, bar y espacio para eventos de inspiración neoamericana y mediterránea.


30 de mayo de 2006

Resultados de la encuesta de la semana pasada

Muchos de nuestros lectores participan en la encuesta semanal en nuestra página principal, y algunos de ustedes me han dicho que les gustaría saber cuáles son los resultados finales de cada semana. Escucho y obedezco. A partir de hoy, presentaré los resultados de la encuesta en el primer blog de la semana. A partir de la próxima semana, busque los resultados de la encuesta todos los lunes por la mañana alrededor de las 11 am, hora del este.

La semana pasada le preguntamos si pensaba que las ventas de cerveza de este verano serían mejores, peores o iguales que el verano pasado. Después de cierto optimismo inicial en el recuento que mostró que casi nadie predijo un hundimiento este verano, el resultado final fue mixto: el 21 por ciento de los votantes ve peores ventas de cerveza este verano, mientras que el 37 por ciento predice mejores ventas y el 42 por ciento cree que las cosas permanecerán. prácticamente lo mismo.


Lunes, 24 de noviembre de 2008

Epifanía de Op-Ed

Esto va a sonar muy cursi, pero mientras leía el último artículo de opinión del State Journal, & # 8220Don & # 8217, no deje que los políticos elijan sus votos, & # 8221 tuve una epifanía sobre la política de Wisconsin. El domingo pasado, los escritores de la página editorial reflexivos y pagados para ser obstinados opinaron sobre las podridas reglas de redistribución de distritos del estado diseñadas por y para los titulares para proteger sus escaños legislativos. Tanto los izquierdistas como los conservadores se tomaron la molestia de permitir que el dibujo lineal de una década eliminara convenientemente los distritos electorales que no están exactamente interesados ​​en su tipo de política.

Como periodista capacitado, puedo ser escéptico sobre la naturaleza imprudente del poder y la influencia. Y puedo ponerme poético sobre lo crucial que es para las sociedades democráticas examinar y cuestionar el papel del liderazgo y el gobierno. Francamente, esa es la razón por la que he estado tan enojado últimamente que las salas de redacción han sido prácticamente abandonadas por sus propietarios corporativos y anunciantes ingratos. (¿Soy solo yo o los anuncios en el State Journal últimamente parecen especies invasoras que asfixian la flora saludable?). Pero al mismo tiempo, siempre he sentido que la mayoría de las personas a cargo, ya sean maestros, sacerdotes, médicos o políticos, tienen en el corazón los mejores intereses de su comunidad.

Así que es & # 8217s con un corazón pesado & # 8212 y un poco culpable & # 8212 que comparto mi epifanía. Wisconsin comenzó su viaje hacia el siglo XX como un modelo a seguir progresista y de principios. Terminó la década de 1990 como un gato gordo y feliz, de esos que condujeron a compinches políticos, escándalos de asambleas legislativas y ahora, porque todo lo bueno debe llegar a su fin, déficit de cinco mil millones & # 8212 BILLONES & # 8212 dólares. Es atroz. Y lo que me di cuenta al leer la columna de opinión del domingo fue que los habitantes de Wisconsin como yo estamos tan acostumbrados a un gobierno bueno y limpio y a una reputación durante años y años. y años del mejor comportamiento de nuestros funcionarios electos que no podemos reconocer o aceptar cuánto daño se ha hecho. Ya no somos un modelo a seguir, somos la chica que no te atreves a llevar a casa con tus padres.

Compañeros estados del Medio Oeste como Iowa & # 8212 permítanme repetir: IOWA & # 8212 han sacado lo mejor de nosotros cuando se trata de algo tan sencillo y poco & # 8220d & # 8221 democrático como la redistribución de distritos. Luego está otro vecino llamado Minnesota, con lagos limpios y resplandecientes y un sistema de impuestos que, según los expertos, es amigo de las empresas, el gobierno y la educación sin los contribuyentes sangrantes.

Durante tantos años, hemos votado a tanta gente buena y honesta para el cargo, demócrata, republicano o Ed Thompson, que hemos dado por sentado nuestro privilegio y responsabilidad de responsabilizar a estos humanos, con todas sus imperfecciones. Luego nos quedamos conmocionados y consternados cuando aprobaron una solución de curita para financiar la educación pública, hacer campaña por los contribuyentes y centavo, o tomar como rehén a un presupuesto para proteger los intereses especiales y el liderazgo del partido que los eligió.

Todos hemos tenido nuestras epifanías políticas. La mía es sin duda una variación de un tema de expertos y, francamente, un poco demasiado tarde. Si bien mi momento tardío & # 8220aha & # 8221 ganó & # 8217t no hará mucho por ese estado de nuestro estado, me recuerda la increíble importancia de nuestras voces editoriales, ya sea impresas, en línea o por radio. Están formados por profesionales inteligentes, bien razonados y leídos que nos dicen lo que piensan, no porque, como nuestros políticos, quieran nuestro voto en los distritos que han dibujado como niños con demasiados crayones, sino porque quieren que conozcamos los hechos como ellos los ven.

Puede que no estemos siempre de acuerdo con las páginas de opinión, pero debemos respetar lo que tienen que decir y, en muchos casos, agradecerles por tener el coraje de poner la pluma en el papel moribundo.


Poder de compra

Entre dar una conferencia, mirar a los estudiantes con el ceño fruncido, calificar, calificar un poco más, investigar y calificar, ayudo con la Campaña Right2Know. Lanzado hace aproximadamente un año, Right2Know representa una coalición de individuos, organizaciones de la sociedad civil y grupos comunitarios que están preocupados por el Proyecto de Ley de Protección de la Información del Estado.

Creemos que el Proyecto de Ley del Secreto, como R2K prefiere llamarlo, socavará el derecho de todos los sudafricanos a acceder a la información del gobierno, algo que está garantizado por la Sección 32 de nuestra Declaración de Derechos. El Proyecto de Ley de Secreto permitirá a los funcionarios del gobierno en cualquier 'órgano del estado' - una imagen desagradable - o, en otras palabras, cualquier departamento, paraestatal, agencia o institución que esté asociada con el estado, clasificar información considerada sensible y potencialmente amenazando la seguridad nacional. En efecto, esto significa que Natal Shark Board, Algoa Bus Company e incluso el Zoológico de Johannesburgo podrían clasificar la información.

Además, el proyecto de ley no incluye una cláusula de interés público, y las sanciones que busca introducir por la filtración de información clasificada son ridículamente altas. Los denunciantes se enfrentan a hasta veinticinco años de prisión. No me opongo a la legislación que controla el acceso a información potencialmente peligrosa, como los planes para Koeberg o Pollsmoor, pero Right2Know está profundamente preocupado de que este proyecto de ley haga del secreto, en lugar de la apertura, la posición predeterminada dentro del gobierno. Este proyecto de ley tendrá un efecto paralizador en los medios de comunicación, pero también tendrá un impacto en la capacidad de la gente común para hacer que el estado rinda cuentas.

La campaña ha tenido un impacto significativo en esta legislación. El proyecto de ley tal como está ahora no es tan draconiano como su primera encarnación el año pasado, y el ANC ha retirado el proyecto de ley del Parlamento por completo. (Sin embargo, nos preocupa el proceso de "consulta pública" que la ANC está a punto de comenzar).

Pero creo que nuestro mayor logro ha sido movilizar la opinión popular contra una ley cuyas implicaciones no son inmediatamente obvias. Logramos que la gente marchara contra el proyecto de ley y organizara sesiones de información pública y reuniones comunitarias. Creo que esto se debe en parte a que la campaña ha tenido bastante éxito al hacer que el partido gobernante cambie de opinión. Right2Know ha demostrado cómo la reunión de personas comunes en grandes cantidades en torno a una causa en particular puede marcar la diferencia.

Aunque el movimiento Occupy muestra que cuando las personas se sienten lo suficientemente fuertes sobre un tema, participarán en las protestas incluso si saben que las posibilidades de éxito son bastante escasas, sigue siendo difícil contrarrestar las críticas de que no tiene sentido participar políticamente porque efectuar cambios es realmente difícil. Creo que es en parte por esta razón por la que muchas organizaciones de campaña recurren al activismo del consumidor como una forma de alentar a las personas a actuar sobre temas particulares: es más fácil cambiar los hábitos de compra en nombre de una causa y requiere menos compromiso que otras formas. de protesta. Además, ha demostrado ser relativamente exitoso. El activismo del consumidor golpea a las empresas donde más les duele: sus ganancias. La campaña de Greenpeace del año pasado para persuadir a Nestlé de que no usara productos de la selva hizo que el gigante de los alimentos anunciara que no participaría en prácticas ecológicamente dañinas en Indonesia.

El activismo de los consumidores en torno a los alimentos ha existido desde que la idea del consumidor era más que del cliente. Ya he escrito antes sobre el vínculo entre el auge de la industria alimentaria estadounidense y su creciente uso de la publicidad para promocionar productos de marca a finales del siglo XIX y la construcción de "consumidores". Los clientes compraban avena en la papelera de la tienda porque desayunaban papilla. Los consumidores eligieron Quaker Oats de una variedad de otras marcas porque se identificaron con los valores asociados con ese producto en particular.

Uno de los efectos de la industrialización de la producción de alimentos - de hecho, de la cadena alimentaria - fue una mayor incidencia de adulteración de alimentos. Sabemos que durante siglos los comerciantes y los tenderos agregaron volumen para hacer que sus productos fueran más allá: agregar tiza molida a la harina, agua a la leche o vinagre, arena al azúcar y hojas secas al té. La diferencia fue que a medida que se producían más alimentos en las fábricas y se hacía más difícil controlar esta producción, la adulteración de los alimentos se producía a gran escala. Tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos, la preocupación por la pureza de los alimentos aumentó a lo largo del siglo XIX, y con muy buenas razones.

En 1820, Frederick Accum, un químico alemán que vive en Londres, publicó Tratado sobre las adulteraciones de los alimentos y los venenos culinarios en el que detalló hasta qué punto los productores de alimentos británicos utilizaron sustancias nocivas, e incluso potencialmente mortales, para aumentar el volumen y el peso de sus productos, y también para mejorar su apariencia. Las sales de plomo, cobre y mercurio se usaron para hacer que el té y el café adulterados fueran más oscuros, el pan más blanco y los dulces y las jaleas más coloridas. Treinta años más tarde, y después de que Accum huyera de regreso a Alemania tras el furor causado por su libro, otro grupo de científicos británicos descubrió que la adulteración era la norma, más que la excepción, en la fabricación de alimentos.

Uno de ellos, Arthur Hill Hassall, trabajó como analista jefe de la Comisión Analítica Sanitaria, gloriosamente titulada, y se puso a trabajar analizando metódicamente la composición de una variedad de medicamentos y productos alimenticios manufacturados. Entre 1851 y 1854, Hassall identificó alumbre en el pan y compuestos de hierro, plomo y mercurio en la pimienta de cayena, sales de cobre en frutas y encurtidos embotellados y rojo veneciano en salsas, carnes en macetas y pescado. Publicó sus hallazgos en La lanceta, y la protesta pública que resultó de su trabajo estuvo en parte detrás de la aprobación de la primera Ley de Adulteración de Alimentos en 1860.

En Gran Bretaña, los esfuerzos para frenar la adulteración de alimentos fueron impulsados ​​en gran parte por científicos y políticos. La indignación de los consumidores fue importante porque alentó a los productores de alimentos a cumplir con las nuevas regulaciones sobre aditivos, pero esta no fue una campaña impulsada por los consumidores. Sin embargo, fue en los Estados Unidos donde el movimiento por la comida pura fue la primera manifestación del activismo del consumidor a escala nacional. El tamaño, la influencia y la influencia política de la industria alimentaria estadounidense necesitaban un desafío concertado para cambiar.

Los estadounidenses habían sido conscientes de una caída en la calidad de los alimentos manufacturados desde mediados del siglo XIX, y entendieron que esto estaba relacionado con el hecho de que los alimentos se procesaban en las fábricas. Como dice una rima popular:

Mary tenía un corderito, / y cuando lo vio enferma, / lo envió a Packingtown, / y ahora tiene la etiqueta de pollo.

Las primeras personas que se movilizaron contra la adulteración de alimentos fueron las mujeres de clase media en la década de 1870. Las mujeres estadounidenses blancas acomodadas y bien educadas participaron en una variedad de movimientos filantrópicos y de reforma durante las últimas décadas del siglo XIX, un período conocido como la Era Progresista en la historiografía estadounidense. El movimiento global de templanza, que hizo campaña por una regulación más estricta de la venta de alcohol, fue dirigido casi en su totalidad por mujeres de clase media que justificaron su compromiso con la política con el argumento de que se trataba de un tema relevante principalmente para las mujeres, y en particular para las mujeres pobres. De manera similar, las mujeres estadounidenses se agitaron a favor de la regulación de la industria alimentaria porque el suministro de alimentos a los hogares era una preocupación de las esposas y madres diligentes. Incluso si muchas mujeres involucradas con la templanza y otros movimientos eventualmente se volvieron activas en las organizaciones de mujeres franquicias, estas campañas fueron políticamente y, hasta cierto punto, socialmente, conservadoras. También fueron impulsadas localmente y surgieron de clubes sociales, sociedades de mejoramiento y organizaciones benéficas existentes.

Al igual que en Gran Bretaña, estudios llevados a cabo por juntas de salud y sociedades médicas encontraron que la contaminación de los alimentos procesados ​​era abundante: la harina contenía arroz molido, yeso, sémola y pan de arena contenía sulfato de cobre y cenizas, la mantequilla contenía queso de cobre contenía sales de mercurio y la manteca de cerdo contenía cal cáustica y alumbre. La pimienta de cayena fue adulterada con plomo rojo y mostaza de óxido de hierro con cromato de plomo y sulfato de cal y vinagre con ácidos sulfúrico, clorhídrico y pirolino y azúcar quemada. Bonito.

Estas campañas se basaron en la creencia de que los productores de alimentos se habían vuelto tan poderosos que el gobierno estadounidense necesitaba intervenir para proteger a los consumidores de ellos. Incluso si varios estados promulgaron leyes sobre la pureza de los alimentos, quedó claro que la industria alimentaria necesitaba ser regulada en una industria nacional, y una campaña dirigida por el Diario de la casa de las señoras y Colliers ’ y apoyado por economistas domésticos y otros, abogaron por la introducción de una ley federal, similar a la del Reino Unido.

Sorprendentemente, las empresas alimentarias estaban a favor de esta legislación. No solo simplificaría las reglas cada vez más complejas y contradictorias que operan en diferentes estados, sino que presionaron al gobierno estadounidense para que redactara una ley que se adaptara a sus intereses comerciales. De hecho, Heinz y otras organizaciones se beneficiaron de la Ley de Alimentos y Medicamentos Puros de 1906: anunciaron sus productos, que Heinz vendía en botellas de vidrio transparente para demostrar su pureza, como la alternativa más segura, saludable y pura a los productos sin marca. vendido por pequeños tenderos locales. Heinz, regulado por el gobierno estadounidense, fue la mejor opción.

No quiero restar mérito al logro de los defensores de la comida pura, pero, irónicamente, sus esfuerzos por frenar los excesos de la industria alimentaria estadounidense en realidad tuvieron el efecto de fortalecer a estos grandes procesadores. Entonces creo que este ejemplo de activismo del consumidor es instructivo. Es cierto que, como consumidores, nuestra capacidad de retener o redirigir nuestro poder adquisitivo puede provocar cambios, y debemos aprovechar esto. Pero esto solo funciona en tiempos de abundancia. Hemos visto cómo las ventas de productos orgánicos han caído a nivel mundial durante la recesión. Comer de forma ética es un negocio caro.

Sin embargo, lo que es más importante, el activismo del consumidor no nos hace cuestionar el hecho de que actuamos, y nuestros gobiernos nos ven, principalmente como consumidores, en lugar de ciudadanos. En segundo lugar, no cuestiona por qué se cree que comprar cosas es tan importante: no considera el consumismo en sí. Existe una creciente evidencia que indica que el consumismo desenfrenado no contribuye a sociedades felices, y que necesitamos comprar y desperdiciar menos por el bien de nuestro planeta.

Recientemente me llamó la atención un comentario hecho por Yvon Chouinard, el fundador de la gama de ropa para exteriores Patagonia, en una entrevista con El ecologista: "No hay duda de que no vamos a salvar al mundo comprando alimentos y ropa orgánicos, será comprando menos". El activismo del consumidor solo puede llegar hasta cierto punto para generar cambios. Necesitamos cuestionar el consumismo en sí.

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